jueves, 31 de julio de 2008

El séptimo sello de Ingmar Bergman, a un año de la muerte del gran director

El séptimo sello Ingmar Bergman es, sin dudas, uno de los grandes directores de cine del siglo XX y un referente inevitable del séptimo arte.

Ingmar Bergman nació el 14 de julio de 1918 en Uppsala (Suecia). En 1944 se estrena la película llamada Tormento, donde el cineasta escribe el guión y colabora en la dirección, que estuvo a cargo de Alf Sjöberg. Pero sería el filme Crisis, el que marcaría su debut en la pantalla grande como director y escritor.

En su extensa carrera, dirigió más de sesenta filmes y obtuvo varios galardones. Sin embargo el que le fue esquivo fue el premio Oscar a la dirección. Fue nominado en varias ediciones como mejor director y mejor guionista, pero no pudo obtenerlo. Distinta fue la suerte de sus películas, ya que tres de ellas se llevaron la estatuilla a la mejor película en idioma extranjero. Estas obras fueron: Fanny y Alexander, Como en un espejo y El Manantial de la Doncella.

Son varios los filmes de Ingmar Bergman que pueden ubicarse en la categoría de clásicos. Sin embargo sería una película estrenada en Suecia en 1957, la que lograría el máximo reconocimiento dentro de su obra.

El séptimo selloLa película en cuestión se llamó El séptimo sello, Det sjunde inseglet en sueco ó The seventh seal para el público de habla inglesa. En su reparto contó con Max von Sydow, encarnando al caballero que juega un particular partido de ajedrez contra la muerte (encarnada por Bengt Ekerot).

La película plantea temas de gran profundidad, detrás de un juego que pone sobre el tablero la delicada distancia entre la vida y la muerte, no solo del caballero, sino también de un pueblo que se ve azotado por la peste.

Ambientada en la Europa medieval, es una de esas películas que se van bebiendo de a poco. Una historia sencilla, pero que logra momentos de gran belleza cinematográfica, para quienes la aprenden a disfrutar, porque está claro, El séptimo sello no es una película sencilla, a pesar de lo universal de su lenguaje. Por la manera en que está contada, encierra mucho del estilo de Bergman, de sus códigos y su genio.

Saraband fue su última realización, que tuvo a Liv Ullmann y a Erland Josephson en los roles protagónico. Fue estrenada en 2003 y aclamada en diferente festivales a lo largo de todo el mundo, entre el año 2004 y 2006.

Luego de dejar su marca en la pantalla grande, Ingmar Bergman falleció a los 89 años, el 30 de Julio de 2007, es su Suecia natal. El cine estará por siempre agradecido por su legado fílmico y el mensaje que supo dejar en cada una de sus obras, verdaderos clásicos de todos los tiempos.

miércoles, 30 de julio de 2008

Las mejores películas de viajes en el tiempo – El Top 7 del Blog de más que Palabras

Viajes en el tiempoComenzando con los ranking en el Blog de más que Palabras, en esta oportunidad le toca abrir a las mejores películas de Viajes en el tiempo.

Un tema recurrente en los filmes de ciencia ficción (o simplemente de ficción, según se las quiera ver). Algunas veces este argumento ha sido utilizado con gran creatividad y en otras oportunidades, como una mera excusa para una historia menor.

En este top 7, bucearemos por lo mejor que ha entregado el género.

1 - The Time Machine (versión original de 1960): una de las mejores películas sobre el tema y nunca superada (ni si quiera con la nueva versión del 2002). La cinta narra la historia de un hombre que crea una máquina del tiempo y viaja a un futuro lejano (miles de años) donde los humanos le dieron paso a dos subrazas. El filme cuenta con Rod Taylor en el rol protagónico y George Pal en la dirección. Un detalle fundamental: la película está basada en el libro de H.G. Wells, una verdadera leyenda del género, que además de incorporar interesantes elementos a la ciencia ficción, ofrece desde ese lugar, una mirada crítica a la sociedad.

2 – Back to de Future (Trilogía): es difícil separarlas una de la otra, ya que las tres mantienen el hilo de la historia, con el famoso “To be continued” de la primera y segunda parte. ¿La historia? Para el que no la conoce, el filme cuenta las aventuras de Marty McFly (el eterno adolescente Michael J. Fox) y el “Doc” Emmett Brown (el inigualable Christopher Lloyd). Los viajes con el DeLorean, la máquina del tiempo en este caso, los lleva a diferentes lugares del tiempo, entre los que se encuentran el pasado de la década del ’50, el futuro con autos voladores y nuevamente al pasado en el lejano oeste. En esta película también se destaca uno de los mejores villanos que haya visto la pantalla grande: Biff Tannen (interpretado por Thomas F. Wilson).

3 - Planet of the Apes (versión original de 1968): El planeta de los Simios es una de esas películas que siempre debe ubicarse en el podio al hablar de clásicos de ciencia ficción. Protagonizada por el legendario Charlton Heston, interpretando al astronauta George Taylor, que con su equipo desembarca en un planeta plagado de simios, dominantes en ese lugar. Con uno de los mejores finales de la historia del cine, el libro de Pierre Boulle no podía tener mejor adaptación, ya que ni siquiera Tim Burton logró superar el filme original.

4 – Terminator (1 y 2): afuera queda la tercera parte, ya que está claramente por debajo de las dirigidas por James Cameron. En la primera película, un cyborg exterminador (Arnold Schwarzenegger) llega del futuro para aniquilar a la madre del que será líder de la resistencia contra las máquinas. Las fuerzas de la humanidad envían a un hombre llamado Kyle Reese, que además de proteger a la mujer en cuestión (Sarah Connor), tendrá un inesperado rol clave en esta historia. Para la segunda entrega los humanos reprograman un modelo idéntico al cyborg de la primera parte (Arnold Schwarzenegger), para defender la vida de John Connor (el adolescente que luego se convertirá en líder). Las máquinas envían desde el futuro su mejor arma: un robot de acero líquido, que se transformaría en uno de los más recordados villanos del cine (interpretado por Robert Patrick). La mano de Cameron fue clave para estas películas, así como también la inspiración que le ofrecieron las piezas creadas por Harlan Ellison, para la serie The Outer Limits, que llevaron por nombre Soldier y Demon with a Glass Hand. Se espera que la cuarta entrega, protagonizada por Christian Bale (que llevará por nombre Terminator Salvation) esté a la altura de las primeras dos películas.

5 - The Butterfly Effect: estrenada en el 2004 y protagonizada por Ashton Kutcher. Este filme cuenta una particular forma de retroceder en el tiempo, basándose en los recuerdos del protagonista, que él mismo había bloqueado en su propia mente. El efecto mariposa representa que cada cambio que se realice en el pasado (al viajar en el tiempo), por pequeño que sea, puede representar una modificación muy importante en el presente y el futuro. La película dio mucho que hablar desde su estreno y obtuvo muy buenas críticas. Dos años después se rodó una segunda parte, con otro elenco, pero los resultados no acompañaron en esa oportunidad.

6 - Twelve Monkeys: protagonizada por Bruce Willis, acompañado por Madeleine Stowe y Brad Pitt. En esta película, dirigida por Terry Gilliam, a Bruce Willis le toca la dificil misión de viajar al pasado desde el año 2035, para averiguar el origen de un virus que azota a la raza humana.

7 - Star Trek: First Contact: con Patrick Stewart en el rol del Capitán Jean-Luc Picard, Jonathan Frakes como el Comandante William Riker y Brent Spiner como Data. La película cuenta como un grupo de tripulantes del Enterprise-E, retrocede en el tiempo para evitar que los Borg interfieran con el primer contacto entre la raza humana y los Vulcano.


Este ha sido el primer top 7 de Más que Palabras, ahora le toca al lector ¿Cuál fue la mejor película de viajes en el tiempo?

martes, 29 de julio de 2008

Twenty Five, George Michael con la voz en el alma

George MichaelGeorge Michael nació en Londres bajo el nombre Georgios Kyriacos Panayiotou. Con su voz privilegiada, comenzó a destacarse en la música en la década del ochenta, con el dúo que formó con su amigo Andrew Ridgeley y que se llamó Wham!. Esa formación es reconocida hoy, como una de las mejores bandas juveniles de todos los tiempos. Seguramente mucho tuvieron que ver sus éxitos, dentro de los que se destaca Wake Me Up Before You Go Go, lanzado en mayo de 1984.

Con la llegada de los simples Careless Whisper (una de la mejores baladas de la década y probablemente de todos los tiempos) y A Different Corner, el tiempo de Wham! entra en su etapa final y George Michael decide que es el momento de probar suerte como solista.

En 1987 sacudió el mercado discográfico con su primero disco solista, titulado Faith, con el cual encabezó los ranking más importantes, transformándose en todo un suceso. En esta placa se destaca el tema que le da título, Father Figure, I Want Your Sex, One More Try y la recordada balada Kissing A Fool.

Pasaron tres años, hasta que volvió al rudo con un álbum mucho más maduro y sin dudas uno de los mejores de su carrera: Listen Without Prejudice, Vol. 1.

El disco tiene todo lo mejor de George Michael: soul, rítmo, rock y baladas. En el tema Praying For Time la voz del cantante brilla y luce mejor que nunca, en una de esas interpretaciones difíciles de olvidar. Freedom 90 es otro de los éxitos del disco. Por su parte, Cowboys And Angels y Heal The Pain son dos joyas que se destacan en la placa.

En 1992 se produce un hecho importante, no sólo a nivel interpretativo sino también en la faceta emotiva. El 20 de Abril de ese año se sube al escenario para cantar junto a la banda que lo marcó en su juventud: Queen. El lugar fue el Concierto Tributo a Freddie Mercury, donde George Michael realizó una excelente performance en los temas ’39 y These Are the Days of Our Lives (junto a Lisa Stansfield).

Ese día logró todo su esplendor con una canción que fue emblema de Queen y de Freddie. Antes de cantar el tema, el músico confesó que era uno de sus favoritos. Lo que vino después es historia conocida, George Michael deslumbró al público presente y al que lo estaba viendo en vivo en todo el mundo, con una increíble versión de Sombody to Love.

Después de aquella performance, muchos fanáticos de Queen soñamos con una unión de Queen con George Michael, para tocar en vivo o grabar algún disco, más allá del EP Five Live, con las tomas en vivo de aquel recital. Si bien es imposible llenar los zapatos de Freddie, George Michael hubiera sido una excelente opción para plantear un nuevo camino en la vida de la Reina, que años después continuaría su proyecto como Queen + Paul Rodgers.

George MichaelLuego de varios años sin poder editar un disco, por disputas con su compañía discográfica, George Michael presenta su nueva placa titulada Older, en Mayo de 1996. El disco alcanza el primer puesto en varios charts de todo el mundo, mostrándose asentado en un estilo que le da muy buenos resultados. Los temas destacados del disco son: Jesus To A Child, Fastlove, Spinning The Wheel y Star People.

En Diciembre de 1998 aparece Ladies & Gentlemen: The Best of George Michael, con varios de sus clásicos y algunos duetos de gran nivel, como por ejemplo Don't Let the Sun Go Down on Me (en vivo junto a Elton John), Desafinado (con Astrud Gilberto) y I Knew You Were Waiting (For Me) (junto a la legendaria Aretha Franklin).
De ese disco también surge el single Outside, en cuyo video el cantante habla de un tema que le había traído algunos dolores de cabeza, al ser encontrado por la policía en un baño público junto a otro hombre, en una posición un tanto particular.

Un año después aparece el disco Songs from the Last Century, con covers de algunos clásicos como por ejemplo Roxanne de The Police, Miss Sarajevo de U2 y Where or When (tema que alguna vez inmortalizara Frank Sinatra).

En el 2004 llega Patience, placa que logra el número uno de los charts británicos y contiene temas como Shoot the Dog (en su video se ve una parodia de George W. Bush y Tony Blair), Freeek!, Round Here y Amazing.

Twenty Five es un nuevo trabajo recopilatorio, lanzado en el 2006 y que contiene varios de sus éxitos solista y de su etapa con Wham!. En su versión de CD, contiene dos discos en la edición estándar y un tercero para la edición limitada. También se comercializa en DVD. Este trabajo marca sus primeros 25 años con la música, teniendo como punto de partida la creación del dúo Wham! en 1981.

Este disco se lanzó nuevamente para Estados Unidos este año, con algunas canciones distintas y la posibilidad de acceder al tercer disco en la edición limitada, mencionada anteriormente.

En su sitio oficial está disponible para descargar en iTunes el single que grabó junto a Paul McCartney, llamado Heal the Pain.

El cantante actualmente se encuentra en gira (25Live), en la que ha tocado en diferentes ciudades de Estados Unidos y Canadá. Sus presentaciones continuarán por norteamérica en agosto, para luego trasladarse a Londres, y así continuar su gira.

Dentro del repertorio que está presentando en vivo, se destacan temas como Different Corner, Faith, Roxanne, Kissing A Fool, Amazing, Everything She Wants, Amazing, Praying For Time,Carless Whisper y Freedom 90.

Sitio Oficial: http://www.georgemichael.com/

lunes, 28 de julio de 2008

Poser Pro, diseño y animación profesional de figuras en tres dimensiones

Poser ProA mediados de la década del noventa, Fractal Design sorprendía con la primera versión de Poser.

Tres años después el desarrollo quedaba en manos de MetaCreations, para lanzar la tercera versión, donde se destacan nuevas características en una interfaz de usuario renovada, animaciones faciales y figuras humana mejoradas.

A finales de la década del noventa, el producto pasa a la empresa Curious Labs, que mejora sustancialmente la integración con otras aplicaciones 3D y perfecciona varios aspectos de la aplicación.

El desarrollo luego pasa a e frontier, hasta la conocida versión 7, en la que se logran destacados avances en los detalles que le permiten al producto mostrar un resultado cada vez más realista.

El nuevo salto se produce en el 2007, cuando Smith Micro Software adquiere el producto, para lanzar este año la versión conocida como Poser Pro.

En Esta nueva edición del producto encontramos una mayor integración con aplicaciones afines, como lo son 3d Studio Max, Maya y Maxon's CINEMA 4. Además incluye como novedad la compatibilidad con el estándar COLLADA, ofreciendo más versatilidad a sus características conocidas anteriormente.

A las características de render en red, además le agrega un motor que funciona en 64 bits (en los equipos que soportan esta tecnología). Ofrece compatibilidad con HDRI, control de imagen mejorado y nuevas características para mejorar la experiencia del usuario.

Esta nueva versión se destaca por una interfaz compatible con plataformas de 64 bits, lo cual hace necesario un equipo que pueda trabajar con ediciones de Windows XP o Vista de 64 Bits, una buena cantidad de memoria RAM y mucho espacio libre en el disco rígido. Es recomendable contar con un procesador rápido (y de más de un núcleo) y una tarjeta de video compatible con OpenGL.

En el año 2010 se lanzó la nueva versión, denominada Poser Pro 2010, que trae muchas novedades interesantes.

domingo, 27 de julio de 2008

Vicky Cristina Barcelona, lo nuevo de Woody Allen con Scarlett Johansson, Penélope Cruz y Javier Bardem

Woody Allen es a esta altura un sinónimo del cine. Genial para algunos, difícil de comprender para otros. Lo que no se puede cuestionar es que cuenta historias de una manera especial, con un estilo personal, que lo distingue de los demás.

De su última producción se está hablando desde hace tiempo, por los protagonistas, la trama de la historia y el alto voltaje de algunas de sus escenas. Como no podía ser de otra manera, Woody Allen vuelve a hacer que el mundo del cine hable sobre él. Y está bien.

Luego del éxito de Cassandra's Dream, estrenada en junio de este año en Argentina y protagonizada por Ewan McGregor y Colin Farrell, Woody Allen vuelve a juntarse con quien es hoy su actriz predilecta: Scarlett Johansson. Al talento de Scarlett le suma la calidad de Rebecca Hall y la de los españoles Penélope Cruz y el consagrado Javier Bardem.

Este nuevo filme de Woody Allen lleva por nombre Vicky Cristina Barcelona y fue estrenado el 17 de Mayo de este año en el Festival de Cannes. En Estados Unidos la película podrá verse a partir del 15 de Agosto y el 18 de Septiembre llegará a España, para presentarse en el Festival de San Sebastián.

Para quienes aún recuerden todo el fuego que regalaron desde la pantalla las escenas pensadas por Woody Allen para Scarlett Johansson en Match Point, pueden esperar un nuevo impacto en Vicky Cristina Barcelona, donde ya se han conocido escenas de alto voltaje, incluído un encendido beso entre Scarlett Johansson y Penélope Cruz.

Vicky Cristina Barcelona nos trae la historia de dos chicas norteamericanas, personificadas por Scarlett Johansson (Cristina) y Rebecca Hall (Vicky) que llegan a España y se produce un encuentro con un pintor llamado José Antonio, encarnado por Javier Bardem. A esta historia se le suma otro ingrediente picante con Penélope Cruz, quien interpreta a María Elena, una Ex de José Antonio (el personaje de Bardem).

La película promete dar que hablar, con idas y vueltas amorosas, al estilo Allen, con la belleza de Scarlett y un acento español que ya se puede apreciar desde la música que acompaña el trailer. A lo largo de la cinta se podrán ver filmaciones, en distintos lugares de España, especialmente en la Ciudad de Barcelona.

Sitio de la película: http://www.vickycristina-movie.com

sábado, 26 de julio de 2008

Kate Beckinsale, belleza sobrenatural

Kate BeckinsaleHermosa, fina, británica y una de las actrices más sexy del mundo; su bello rostro llamó la atención en Hollywood y enseguida se transformó en una verdadera estrella. Cuando todos apuntaban a Angelina Jolie como la gran heroína de acción con su Lara Croft, Kate Beckinsale la borró del mapa con su papel de vampira cazadora, en Underworld.

Hoy cumple 35 años y para festejarlo, haremos un repaso por sus películas más importantes y sabremos por qué no estará en la tercera parte de Underworld.

Esta hermosa actriz inglesa nació en Londres un 26 de julio de 1973; su padre, Richard Beckinsale, era actor de televisión; su madre, Jody Loe, actuaba tanto en TV como en teatro. El fruto del amor de dos artistas de la interpretación, no podía dar otro resultado que una actriz.

Kate creció decidida a dedicarse a la actuación, pero estudió literatura francesa y rusa en Oxford. Desde muy joven consiguió algunos papeles menores en películas inglesas, algunas para televisión. En 1993, le llegó una posibilidad muy interesante: actuar en el film de Kenneth Branagh, Mucho ruido y pocas nueces, una adaptación de la comedia clásica de William Shakespeare. Este papel fue el primer paso importante de su carrera.

Algunos la recordarán de los Últimos Días de la Disco, una comedia de 1998, en la que actúa junto a Chloë Sevigny. Pero seguramente todos la habrán visto en Pearl Harbor, película que le cambió la carrera. De golpe, era una hermosa enfermera disputada por dos galanes: un inexpresivo Ben Affleck y un Josh Hartnett demasiado joven para el papel que le tocó. El film resultó bastante denso y le sobró la última media hora. La presencia de Kate Beckinsale justifica la primera mitad de la película y las escenas de acción durante el ataque japonés, la otra mitad.

Pearl HarborEse mismo año, 2001, Kate filmó una de las comedias románticas más entretenidas de los últimos tiempos: Serendipity. Hizo pareja con un genial John Cusack (como siempre), mostró su particular acento británico y se consolidó como figura de primera línea.

Serendipity
En 2002, tuvo la oportunidad de actuar en Laurel Canyon en la que compartió elenco con figuras de primer nivel, como Frances McDormand y Christian Bale.

Kate Beckinsale SexyAdemás de su talento como actriz, mucho tuvo que ver su apariencia física para alcanzar estos papeles. En el año 2002, la revista inglesa Hello! elaboró un ránking de las mujeres más hermosas de Inglaterra; Kate obtuvo el primer lugar. Pero no sólo es su belleza lo que atrae a los hombres, sino también esa simplicidad y bondad que transmite. Tal es así, que este año, el sitio Askmen.com hizo su habitual ránking anual de las mujeres más deseadas del mundo, con el enfoque de cuál sería mejor novia o esposa; Kate obtuvo el puesto número 3, superada únicamente por Katherine Heigl y Alessandra Ambrosio.

Hasta ese momento era solamente una actriz de comedia, y se la veía ideal especialmente para las románticas. Nadie hubiera apostado a que podía convertirse en una heroína de acción, pero así fue. En 2003, se puso en la blanca piel de Selene, una vampira cazadora de hombres lobo, en Underworld; una película de acción y fantasía con estilo dark. A pesar de no llegar con demasiada promoción, Underworld fue muy bien recibida por los fanáticos del género fantástico.

Kate Beckinsale UnderworldEn algunas entrevistas, Kate Beckinsale manifestó su sorpresa al acudir a algunas convenciones sobre Underworld por la cantidad de fans que consiguió el film. Al ver tantas personas disfrazadas de vampiro, confesó que le atemorizó un poco saber lo influenciadas que estaban por la historia de la película.

Kate Beckinsale Van HelsingSeguramente su participación estelar en esa cinta llamó la atención de los productores de Van Helsing. Esta vez, fue coprotagonista, interpretando a Anna Valerious, al lado de Hugh Jackman. El film no rindió en las boleterías como se esperaba, pero resultó sumamente entretenido.

Ya consolidada como estrella de Hollywood, tuvo la oportunidad de interpretar nada menos que a Ava Gardner en la superproducción El Aviador, con Leonardo DiCaprio como protagonista, en la piel del millonario Howard Hughes.

Más tarde, llegaría Underworld: Evolution, donde nuevamente interpretó a Selene. El film estuvo al mismo nivel que la primera parte y trascendió un poco más en el ambiente. Los fans de Underworld festejaron el regreso y ya esperan ansiosos la tercera parte.

Después de la secuela, Kate filmó Click, una comedia protagonizada por Adam Sandler y luego Vacancy, un film de terror, con Luke Wilson.

Kate Beckinsale Click
Para septiembre de este año se espera Whiteout, un policial que se desarrolla en la Antártida. En 2009 se estrenará Nothing But the Truth, en la que interpretará a una periodista enredada en un asunto con la CIA. También para ese año se espera Everybody's Fine, una comedia con Robert De Niro y Drew Barrymore, una especie de remake de la nostálgica Stanno tutti bene, de Giuseppe Tornatore.

La tercera parte de Underworld que se titulará Underworld: Rise of the Lycans, ya se está filmando, pero Kate Beckinsale no forma parte del reparto. En principio, esto sería porque se trata de una precuela, en el que el personaje de Selene no tiene ningún tipo de vínculo. El papel principal será de Rhona Mitra, que interpretará a Sonja otro personaje de vampira.

La historia de Underworld fue creada por Len Wiseman, director y guionista de la primera parte y actual esposo de Kate Beckinsale. A ella le pareció extraño que se esté filmando otra película de la franquicia, sin que su esposo forme parte del equipo. Al parecer, los productores fueron mucho más rápidos y vieron la posibilidad de explotar comercialmente la idea.

Kate Beckinsale
Mientras tanto, los fans de Underworld se mostraron muy disconformes en los foros de internet por la no inclusión de Kate Beckinsale, aunque cuando se aclaró que esto ocurría por tratarse de una precuela, las aguas se calmaron.

El tiempo pasó desde sus inicios en Inglaterra hasta su consagración como estrella de Hollywood. Su mirada, su sonrisa y su expresión hacen que ver una película en la que ella trabaja, se convierta en un momento agradable, no solo a la vista, si no también a todos los sentidos.

Links
Sitio web oficial
Info en iMDB
Fotos de Kate Beckinsale
Wallpapers de Kate Beckinsale

viernes, 25 de julio de 2008

Stanley Kubrick, creador de clásicos

KubrickFue uno de los directores de cine más brillantes de todos los tiempos. Su talento le permitió abordar distintos géneros y nos dejó joyas en cada uno de ellos.

Stanley Kubrick ha sido uno de los cineastas que más a contribuido para que el cine sea llamado el séptimo arte. En esta nota homenaje, ha 80 años de su nacimiento, haremos un repaso por su trayectoria.

Pocos directores a lo largo de la historia del cine han podido darse el lujo de pasar de un género a otro con la facilidad que lo ha hecho Stanley Kubrick.

Su afición por la fotografía lo acercó al mundo de las cámaras. Trabajó algún tiempo como fotógrafo para una revista, pero finalmente cambió la cámara de fotos por la de cine. Sus conocimientos de fotografía se manifestaron a lo largo de su carrera y se puede apreciar en cada una de sus películas.

Apenas trece largometrajes figuran en su filmografía; sin duda, es el mejor ejemplo de que calidad es mejor que cantidad. Comencemos, entonces, un repaso por la carrera del director.

Luego de filmar algunos cortos, en 1953 presentó Fear and Desire, que mucho tiempo después se arrepintió de realizar.

En 1956, pateó el tablero del cine y presentó una joya titulada The Killing, con un enfoque muy distinto al de la época.

En 1957, llegó su primer film vinculado a la guerra: Paths of Glory, protagonizada por Kirk Douglas y ambientada en la Primera Guerra Mundial. El mensaje totalmente en contra de la guerra se repitiría después en otras películas del director. El film causó revuelo en Europa; en Francia, las autoridades se mostraron molestas por la faceta que mostraba de su ejército y la película terminó siendo estrenada casi veinte años después; en España, recién se hizo en 1986.

Paths Of Glory
En 1960 volvió a trabajar con Kirk Douglas, pero para hacer esta vez Spartacus, un film épico. El reparto contó también con Laurence Olivier y Tony Curtis, entre otros actores destacados. Kubrick debió lidiar otra vez contra la censura, esta vez por escenas violentas y otras que expresaban alguna ambigüedad sexual. Estas últimas, muy sutiles para nosotros en la actualidad, pero para los extra-sensibles estadounidenses de la época post-mcarthysta, era demasiado.

Luego vino la adaptación cinematrográfica de Lolita, del libro de Vladimir Nabokov, quien fue el encargado de adaptar su novela para la película. La historia original trata de un escritor que se enamora de una pre-adolescente. El poder de la censura le hizo cumplir dos años más a la protagonista. En la película, Lolita tiene 14 años, en lugar de 12, como en la historia original.

La siguiente producción de Kubrick fue una joya de la comedia. Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb o tan solo Dr. Strangelove. Este es uno de los mejores films de Kubrick y vuelve sobre el tema de la guerra, que el director había dejado en Paths of Glory. En este caso, todo es una parodia de los sistemas militaristas, a los que deja en ridículo. El escenario es un episodio de la Guerra Fría en el que está a punto de desatarse un conflicto nuclear entre Estados Unidos y la Unión Soviética. El genial Peter Sellers se luce en todo momento, interpretando nada menos que tres papeles.

Dr. StrangeloveDebieron pasar cuatro años para el estreno de la siguiente película del brillante director. En 1968 se estrenó una de sus obras más grandiosas y que marcaron un antes y un después en la historia del cine. 2001: Odisea del Espacio resultó una verdadera joya de la ciencia ficción, catalogada por muchos como la mejor película del género jamás hecha. Se basó en los textos de Arthur Clarke, con quien Kubrick colaboró para adaptarlos al guión.

2001: Odisea del Espacio
Tres años después, en 1971 filmó La Naranja Mecánica (A Clorkwork Orange), película por la cual ganó muchísimo reconocimiento y que estuvo basada en la novela del mismo nombre de Anthony Burgess. La violencia es uno de los ejes principales de esta distopía. El film resultó demasiado violento en Estados Unidos, y fue certificado como X, hasta que Kubrick accedió a hacer una pequeña edición para que la certificación bajara a R. La Naranja Mecánica resultó ser el trabajo más significativo en la carrera del director.

La Naranja Mecanica
En 1975 dirigió Barry Lyndon, basada en una novela de William Makepeace Thackeray. Un film de época que se quedó con cuatro premios Oscar en varios rubros, pero los más importantes, mejor película y mejor director, no los pudo ganar.

El ResplandorEn 1980, Kubrick se acercó a un género que todavía no había abordado: el terror. Fue así que filmó El Resplandor (The Shining) basado en una obra del maestro del horror, Stephen King, y que contó con un excepcional Jack Nicholson, más esquizofrénico que nunca y que dio una de las interpretaciones más enfermas de todos los tiempos.

Luego, llegaría Full Metal Jacket en la que nuevamente vuelve la guerra como eje principal. El sistema de entrenamiento militar de los soldados para prepararlos para la Guerra de Vietnam que muestra el film es una ironía trágica que aunque un tanto exagerada, no deja de tener aristas muy reales. Los gritos del instructor militar al soldado interpretado por Vincent D'Onofrio causan aturdimiento hasta en el espectador. Tanto es así que finalmente entendemos la acción final del soldado, producto del grado de locura que le genera el continuo hostigamiento de su superior.

La última película de Kubrick fue Eyes Wide Shut, de 1999 y que generó más controversia que buenas críticas. La protagonizó la entonces pareja de Hollywood, Tom Cruise y Nicole Kidman. Ese mismo año y antes de su estreno, Stanley Kubrick murió en Inglaterra.

Su aporte al séptimo arte es inconmensurable. Muchas de sus innovaciones fueron estudiadas e imitadas por cientos de directores influenciados por su mágico talento. Cada una de sus producciones se ha convertido con el tiempo en un verdadero clásico. Por todo esto, Stanley Kubrick tendrá por siempre un lugar destacado en la historia del cine.

jueves, 24 de julio de 2008

Peter Sellers, risas inolvidables y clásicos para recordar

Peter SellersFue un actor incomparable. Deslumbró desde la comedia, pero también se lució en drama. Trabajó con grandes directores y protagonizó películas de culto. Fue un hombre que hizo y seguirá haciendo reír a generaciones, aunque ya no esté aquí. Su nombre quedará grabado, junto con el de los grandes interpretes de su generación.

Por cierto, su nombre es Peter Sellers, pero nosotros podemos llamarlo Peter. O quizás Inspector Clouseau, el nombre que lo inmortalizó como comediante. O mejor aún Chance, el rol que tanto deseó hacer y tanto reconocimiento le dio.

Richard Henry Sellers nació el 8 de Septiembre de 1925 en Inglaterra. Su debut en la pantalla se produce a principios de la década del cincuenta, pero serían los sesenta donde se vería buena parte de su mejor repertorio.

En 1963 llega la película y el personaje que lo marcaría para toda su carrera, Peter Sellers se transforma en el inigualable Inspector Jacques Clouseau para el filme The Pink Panther de Blake Edwards. Serían varias las secuelas que volvería a unir al actor y el director, entre las que se pueden mencionar: Shot in the Dark, The Return of the Pink Panther, The Pink Panther Strikes Again y Revenge of the Pink Panther.

En 1964 protagoniza esa obra inigulable de Stanley Kubrick llamada Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb, una profunda crítica al sistema militar y una parodia a la guerra fria, que se convirtió en una película de culto, muy destacada en la carrera, tanto del actor, como del director, quienes ya habían trabajado juntos en Lolita.

En 1967 parodió a James Bond en Casino Royale, filme en que también participaron Ursula Andress, David Niven, Orson Welles, Woody Allen, Deborah Kerr y William Holden

En 1968 rodó otro clásico junto a Blake Edwards. En esta oportunidad, la comedia llevó por nombre The Party, donde Peter es Hrundi V. Bakshi, sin dudas uno de los mejores papeles de su carrera.

En diciembre de 1979 se estrenó quizás la película más significativa en la vida de Peter Sellers, basada en la novela de Jerzy Kosinski y bajo la dirección de Hal Ashby.

El filme se llamó Being There (conocida en castellano como Desde el Jardín). En esta cinta Peter Sellers es Chance, un jardinero sin mucha inteligencia que conoce el mundo a través de la pantalla de TV, sin embargo el destino lo coloca en un lugar que nunca imaginó. Una extraordinaria crítica social, que lo tiene a Peter Sellers en el centro de la escena, en un papel que le valió una merecida nominación al Oscar.

La última película que lo tuvo en un rol protagónico fue The Fiendish Plot of Dr. Fu Manchu.

El 24 de Julio de 1980 se fue de este mundo, luego de dejar una destacada carrera como actor y una incalculable cantidad de carcajadas en el recuerdo de todos aquellos que alguna vez lo disfrutamos en sus películas.

En el 2004 se estrenó la película sobre su vida, llamada The Life and Death of Peter Sellers (también conocida con el nombre Llamame Peter). Geoffrey Rush fue el elegido para ponerse bajo la piel del genial actor y no defraudó, entregando una interpretación para destacar.

Sitio oficial: http://www.petersellers.com/

miércoles, 23 de julio de 2008

Terminator Salvation con Christian Bale como John Connor

Terminator Salvation Christian BaleLlega la cuarta entrega de una de las sagas más impactantes de todos los tiempos y Christian Bale es el elegido para ser el nuevo John Connor.

En 1984, James Cameron sacudió el cine de ciencia ficción, con una película cargada de acción y efectos que marcaron su época. El filme se llamó The Terminator y fue protagonizado por Arnold Schwarzenegger, como un cyborg proveniente del futuro, programado para matar a la madre del líder de la rebelión humana contra las máquinas, quien aún no había nacido.

El papel de la mujer que se convertiría en una heroína de leyenda, llamada Sarah Connor, estuvo a cargo de Linda Hamilton. Por su parte Michael Biehn, encarnó a Kyle Reese, el hombre enviado por los humanos desde el futuro para proteger a Sarah.

La historia tiene varios puntos en común con los capítulos de la serie televisiva The Outer Limits, llamados Demon With a Glass Hand y Soldier, escritos por Harlan Ellison, a quien luego Cameron le reconoció su merecido crédito.

En el año 1991 llega la segunda entrega de esta saga, titulada Terminator 2: Judgment Day. Con James Cameron nuevamente detrás de las cámaras, este filme marca un antes y un después en efectos especiales, combinándose con una película impactamente, que se transformó en clásico.

En esta película Arnold Schwarzenegger, vuelve a su papel de cyborg, pero esta vez para proteger a Sarah Connor y a un muy joven John Connor. El papel de villano en esta cinta está a cargo de Robert Patrick, un perfecto T-1000 de acero líquido, dispuesto a todo por cumplir su misión.

La tercera parte llega en el 2003 bajo el nombre Terminator 3: Rise of the Machines. Con la dirección de Jonathan Mostowm esta película es la más floja de la trilogía original. Sin Cameron detrás de cámaras, el filme y la historia sienten su ausencia.

Arnold Schwarzenegger, con casi dos décadas más en sus espaldas retorna a uno de sus papeles más famosos, aunque a todas luces ya no es lo mismo. Kristanna Loken es una digna rival, personificando el modelo de terminator T-X. El papel de John Connor en esta película es para Nick Stahl. Claire Danes encarna a Kate Brewster, quien en el futuro sería la mujer de John.

Este año se estrenó en varias partes del mundo la serie Terminator: The Sarah Connor Chronicles, protagonizada por Lena Headey como Sarah Connor, Thomas Dekker en el rol de John Connor y Summer Glau como una cyborg que responde al nombre de Cameron Phillips.

Para protagonizar la cuarta parte de Terminator, se pensó en un actor probado y con peso propio. Por tal motivo la elección de Christian Bale parece adecuada, especialmente después de verlo en otros papeles de acción como su excelente caracterización de Batman en The Dark Knight y Batman Begins.

Anton Yelchin formará parte del elenco, interpretando a Kyle Reese, papel que estuvo en las manos de Michael Biehn en la primera entrega. Bryce Dallas Howard será la esposa de John, Kate Connor, papel que fuera interpretado por Claire Danes en la tercera parte.

También participa en el filme, como protagonista, Sam Worthington y Helena Bonham Carter, tiene un pequeño pero importante rol en la película, interpretando a Serena.

La acción del filme estará situada en el año 2018, en un mundo debastado y donde la guerra contra las máquinas ya se desató.

martes, 22 de julio de 2008

Willem Dafoe, el villano perfecto

Willem DafoeAunque en su basta carrera en cine y teatro representó diferentes papeles, es reconocido por sus composiciones de villanos y personajes inquietantes.

Willem Dafoe es de esos actores que imprime su sello en las películas, luciendo su talento y capacidad actoral en cada escena.

Nació en Estados Unidos el 22 de Julio de 1955. Tuvo sus primeras participaciones en cine con pequeños papeles a principio de los ochenta (incluyendo The Hunger con Catherine Deneuve y David Bowie). En 1982 protagonizó The Loveless y en 1984 Roadhouse 66.

Su primer gran papel fue el del Sargento Elias Grodin en la película Platoon, estrenada en 1986 y dirigida por Oliver Stone. Por este papel obtuvo su primera nominación al Oscar, como actor de reparto.

En 1988 interpreta nada menos que a Jesús en el polémico filme de Martin Scorsese, llamado La Última Tentación de Cristo (The Last Temptation of Christ). Ese mismo año se produce el estreno de Misisipi en llamas (Mississippi Burning) de Alan Parker, donde actúa junto a Gene Hackman.

En 1989 protagoniza Triumph of the Spirit. Al año siguiente forma parte del elenco del filme de David Lynch, Wild at Heart, protagonizado por Nicolas Cage y Laura Dern.

En 1992 protagoniza Light Sleeper junto a Susan Sarandon. Ese mismo año se estrena White Sands, donde trabaja junto a Mary Elizabeth Mastrantonio, Mickey Rourke y Samuel L. Jackson. El año siguiente trabaja junto a Madonna en Body of Evidence.

En 1994 se estrena Clear and Present Danger, donde forma parte del elenco junto a Harrison Ford. Al año siguiente protagoniza Victory.

En 1996 trabaja junto a Ralph Fiennes y Juliette Binoche en El Paciente Inglés (The English Patient). El año siguiente se estrena la segunda parte de Speed, donde participa junto a Sandra Bullock y Jason Patric.

En 1998 se estrena New Rose Hotel, donde forma parte del elenco junto a Christopher Walken, Asia Argento y Annabella Sciorra. El año siguiente llega eXistenZ, protagonizada por Jennifer Jason Leigh y Jude Law. También se produce el estreno de The Boondock Saints, con un gran trabajo de Dafoe en uno de los roles protagónicos.

En el 2000 forma parte del elenco de American Psycho, protagonizada por Christian Bale. Otro de los filmes que llega ese año es Animal Factory.

Todo el talento de Willem Dafoe se pone en manifiesto cuando realiza aquella magistral caracterización de Max Schreck, en la película La Sombra del Vampiro (Shadow of the Vampire), que muestra una sobrenatural visión de la filmación de uno de los más grandes filmes de terror de todos los tiempos: Nosferatu.

En esta cinta, Dafoe entrega una de sus interpretaciones más impactantes, obteniendo su segunda nominación a los premios Oscar. También luce un extraordinario John Malkovich interpretando al mítico director alemán F.W. Murnau.

En el 2001 Dafoe trabaja junto a Haley Joel Osment en Edges of the Lord.

Para el año 2002 llega la taquillera versión de Spider-Man con Tobey Maguire en el rol del arácnido. En este filme Willem Dafoe es Norman Osborn, quien se transforma en el mítico villano de historieta El Duende Verde (Green Goblin). Con este papel, también tendría alguna participación en las siguientes entregas de Spider-Man.

En el 2004 trabaja junto a Robert Redford en The Clearing. Ese año también llega Control donde comparte cartel con Ray Liotta. En 2007 es parte de la película Mr. Bean's Holiday y protagoniza Anamorph.

A principio de 2008 se estrenó Fireflies in the Garden en el Festival de Berlín, donde trabajó junto a Julia Roberts. También en ese año se estrenó Adam Resurrected, compartiendo cartel junto a Jeff Goldblum.

Otras producciones que cuentan con Dafoe en el reparto son The Dust of Time (donde trabaja junto a Harvey Keitel), Daybreakers (con Ethan Hawke) y Cirque du Freak. También prestó su voz para el filme animado nominado al Oscar Fantastic Mr. Fox.

 Las próximas producciones donde participará Dafoe son A Woman, Miral y The Miso Soup.

lunes, 21 de julio de 2008

The Dark Knight cosecha excelentes críticas y ya arrasa con las boleterías

GuasonLa nueva película de Batman tuvo un debut arrasador en Estados Unidos en su noche de estreno y también en Argentina, donde más de 40.000 personas la vieron en su primer día en cartelera.

Como si esto fuera poco, las críticas que ha recibido son más que satisfactorias. Muchos ya se arriesgan a decir que es la mejor película de superhéroes que se haya hecho.

En esta nota, los números sobre su estreno y enlaces a las críticas de los principales medios.

En su noche de estreno, The Dark Knight o El Caballero de la Noche, como se titula en Latinoamérica, batió varios récords de recaudación en Estados Unidos. Embolsó 18,5 millones de dólares en ventas de pre-estreno, superando a Star Wars: La Venganza de los Sith, que logró 16,9 millones hace tres años. Y en el día de estreno batió el record de Spider-Man 3, de 59,8 millones de dólares alcanzando una nueva marca de 66,4 millones de dólares.

En Argentina, el estreno fue este jueves y se llevó a cabo en 88 salas. La cantidad de espectadores ascendió a 43.938 y se llevó recaudado nada menos que 570.075 pesos. Todo apunta a que la película se convierta en un suceso.

Pero si los guarismos no te dicen nada, tal vez las críticas te convenzan del potencial del film.

The Dark KnightDiego Lerer, periodista del diario Clarín y uno de los más confiables a la hora de criticar producciones de Hollywood ya que no cae en resentimientos ideológicos estúpidos, la calificó con un excelente y se refirió a la cinta en términos más que elogiosos. Leer crítica.

Diego Batlle de La Nación la calificó con cuatro estrellas sobre cinco y destacó la diferencia respecto de las otras versiones anteriores de Batman. Leer crítica.

Damián Damore, de Cinemanía se arriesgó a decir que este film se puede convertir en uno de los nuevos clásicos del siglo XXI. Leer crítica.

La prestigiosa revista El Amante, en su repaso semanal de los estrenos, la consideró como la mejor y destacó la interpretación de los actores. Leer crítica.

En tanto, Luciano Monteagudo, de Página/12, un diario mucho más afín al cine social y bastante reticente a las superproducciones, la calificó con un 7 sobre 10. Leer crítica.

Mariano Kairuz, de la revista Radar, suplemento de Página/12, hizo una crítica y un análisis extenso donde deja muy bien parada a la cinta. Leer crítica.

Entre otras críticas, América Noticias, ganador del último Martín Fierro como mejor noticiero, la calificó como excelente; lo propio hizo el diario Ámbito Financiero; incluso Catalina Dugli, que se muestra reacia a estas producciones, la dio como muy buena.

Los usuarios en los foros de internet agradecen a Christopher Nolan y consagran la actuación de Heath Ledger, que dicen, es extraordinaria.

Seguramente los números del estreno, las críticas y los comentarios de los que ya la vieron te impulsen a ir a verla cuanto antes. Más allá de como te resulte la película, está claro que no pasará desapercibida y ya apunta a convertirse en uno de los sucesos cinematográficos del año.

domingo, 20 de julio de 2008

Grandes películas sobre la amistad

Cuenta conmigo amigosUna conocida frase de León Daudí, extinto escritor español, dice que "un buen amigo es una persona para la cual no tenemos secretos y que, a pesar de todo, nos aprecia". Sin duda que la vida sería mucho más difícil si no tuviéramos amigos; esos con los que compartimos los momentos más hermosos y que nos apoyan en los más terribles.

Por eso, en este 20 de julio que se ha constituido desde no hace mucho como El día del amigo, en el Blog de Más que Palabras lo festejamos con ustedes, nuestros amigos, haciendo un repaso por los títulos cinematográficos que mejor resaltaron aquellos valores que representa la amistad.

Cuenta conmigoComenzamos el recorrido con la película Cuenta conmigo (Stand By Me), del año 1986, dirigida por Rob Reiner y basada en la novela The Body de Stephen King. Uno de los protagonistas fue el actor River Phoenix, que murió muy joven en 1993. Cuenta la aventura de cuatro niños que emprenden un viaje y que en el camino se topan con dificultades que solo podrán resolver actuando como verdaderos amigos.

Los Simpsons la parodiaron, en un capítulo en que Homero cuenta un episodio de su infancia, que compartió con Lenny, Karl y Moe.

Es imposible no mencionar en un artículo sobre la amistad la historia de aquellas dos amigas fugitivas que deciden abandonar todo y fugarse hasta ser perseguidas por la policía. Thelma & Louise fue un suceso en 1991; Susan Sarandon y Geena Davis protagonizaron este film dirigido por Ridley Scott.

El cine de animación, enfocado tal vez más hacia los niños, ha dado excelentes fábulas sobre la amistad. Seguramente es Toy Story, estrenada en 1995, la mejor de todas. Cuenta una historia de amistad entre dos juguetes que cobran vida cuando los humanos no están. Woody y Buzz no se llevan bien de entrada, pero a lo largo de la película, las situaciones a las que se exponen los obliga a cooperar, para finalmente conertirse en excelentes amigos. La canción Yo soy tu amigo fiel, del soundtrack, es una síntesis del mensaje del film.

El humor descerebrado de Jim Carrey nos hace recordar aquella pareja de amigos que formó con Jeff Daniels en Tonto y Retonto. Dos amigos, Lloyd y Harry; uno más idiota que el otro, de ahí el título, emprenden un viaje hacia Aspen para devolverle una valija a una mujer de la que Lloyd se enamoró a primera vista, sin ni siquiera conocerla. En su odisea a través de las rutas norteamericanas, vivirán miles de situaciones humorísticas.

Tonto y retonto
Muchas mujeres se acordarán de la película Amigas para siempre (Now and Then), de 1995, protagonizada por Demi Moore. Cuatro amigas de la infancia se reúnen después de 20 años de no verse, para festejar el embarazo de una de ellas. En este reencuentro, recordarán esos años pasados en el que estuvieron tan unidas.

En el género fantástico, imposible olvidar la historia de amistad de aquel alienígena petiso, marrón y cabezón con el pequeño Elliot en E.T., dirigida por Steven Spielberg. Este film tiene uno de los finales que más lágrimas ha provocado en los espectadores.

Una prueba de que la amistad no tiene edad, al igual que el amor, es la inolvidable Cinema Paradiso, de Giuseppe Tornatore. Cómo olvidar al pequeño Toto y a Alfredo, el proyeccionista que le enseña su oficio. Una relación que por momentos se vuelve muy paternal, pero que es una amistad porque no los une ningún lazo sanguíneo.

Cinema ParadisoNo siempre los amigos nos caen bien de entrada, de hecho, algunos pueden resultarnos insoportables al principio. A Steve Martin no le cayó nada bien John Candy en gran parte de Planes, Trains & Automobiles (titulada Mejor solo que mal acompañado, en Argentina), pero sus desventuras en el camino hacia casa los termina convirtiendo en grandes amigos.

Hay clásicos que también nos muestran el valor de la amistad. No olvidemos la última palabra de la frase final que menciona Humphrey Bogart en Casablanca: "Creo que este es el comienzo de una bella amistad", le dice al Capitán Renault, mientras ambos se pierden en la bruma de la pista de aterrizaje.

Algunos amigos pueden no resultar lo que creíamos. De eso trata en gran parte El Tercer Hombre (The Third Man), una genial pieza de cine de 1949 dirigida por Carol Reed y protagonizada por Orson Welles y Joseph Cotten.

Que bello es vivir
Y para cerrar, el recuerdo de la hermosa película ¡Qué bello es vivir! (It's a Wonderful Life!), protagonizada por James Stewart y dirigida por Frank Capra. Esta fábula que resalta muchos valores del american way of life y también de la Navidad, tiene una frase final muy emotiva. El mensaje que Clarence, el ángel, le deja escrito a George Bailey (Stewart) en el libro, resume la importancia de la amistad:
"Recuerda que ningún hombre es un fracasado si tiene amigos"

sábado, 19 de julio de 2008

Brian May, Dios Salve la guitarra de la Reina

Brian MayBrian May es uno de los más grandes guitarristas de todos los tiempos. No sólo por ser uno de los sellos identificatorios de Queen, también por su enorme talento compositivo y musical.

Es dueño de un sonido difícil de igualar. Portador de esas melodías que nos transportan a los mejores días de nuestras vidas. Músico consagrado y de estirpe rockera, marcó una época con la guitarra y ha cosechado millones de seguidores.

Brian Harold May, nació en Londres el 19 de Julio de 1947.

Antes de formar Queen, a fines de los sesenta tocó en una banda llamada Smile, la cual también integraron el cantante y bajista Tim Staffel y el baterista Roger Taylor.

Luego, llegaría la historia conocida al conocer a Freddie Mercuy y la creación de una de las bandas de Rock más grandes del planeta.

Brian MayPara Queen aportó grandes temas, de la talla de Keep Yourself Alive (para el disco Queen), Some Day One Day (Queen II), Now I'm Here y Brighton Rock (Sheer Heart Attack), '39 y Sweet Lady (A Night at the Opera), Tie Your Mother Down (A Day at the Races), We Will Rock You (News of the World), Fat Bottomed Girls (Jazz), Save Me (The Game), Flash's Theme (Flash Gordon Soundtrack), Las Palabras De Amor (The Words Of Love) (Hot Space), Hammer to Fall (The Works) y Who Wants to Live Forever (A Kind of Magic). Además de participar con otros temas de su autoría, también aportó otras canciones en conjunto con otros miembros de la banda.

Su carrera solista comenzó en 1983 con la edición del disco Star Fleet Project, al tiempo que seguía con Queen. Este trabajo en realidad puede considerarse un EP.

Luego de la muerte de Freddie Mercury y una pausa en el proyecto con Queen, aparece Back To The Ligh, que incluye el tema presentado en el Tributo a Freddie Mercury: Too Much Love will Kill You. Con este trabajo se marca el verdadero lanzamiento de su carrera solista.

En 1994 lanza su trabajo en vivo titulado Live At The Brixton Academy, que cuenta con temas de su carrera solista y de la etapa con Queen.

En 1998 aparece un nuevo disco de estudio, titulado Another World. En este trabajo también colaboran Cozy Powell, Jeff Beck y Spike Edney, entre otros. Ese año también se lanza Red Special, un nuevo EP que contiene temas en vivo, charlas y canciones no incluídas en otros trabajos. Fue lanzado especialmente para promocionar su gira en Japón.

En el año 2000 trabaja en la banda de sonido del filme Furia de Alexandre Aja.

Entre el 2004 y el 2005 anuncia la vuelta de Queen, junto a Roger Taylor en batería y Paul Rodgers en el rol vocal. De esta unión surgieron giras y la edición del CD doble y DVD, llamado Return of the Champions.

Este año se espera el primer trabajo de estudio de esta unión, llamado The Cosmos Rocks. Este disco estaría saliendo a la calle en Septiembre, al tiempo que la banda se embarca en una nueva gira llamada Rock the Cosmos Tour.

Brian May, además de su talento en la música, demostró ser un tenaz estudiante. A los 60 años se graduó como Doctor en Astrofísica y fue reconocido además con el título de Rector en la John Moores University de Liverpool.

viernes, 18 de julio de 2008

Herbert West, el reanimador de H.P. Lovecraft

Herbert WestLos relatos de los espeluznantes experimentos de Herbert West han causado el horror de lectores a lo largo y a lo ancho del mundo. En estas historias, este diabólico médico busca revivir a los muertos y los resultados que obtiene resultan terroríficos.

Este personaje de H.P. Lovecraft se convirtió en todo un ícono de la literatura de terror. A continuación, un repaso por los seis relatos que cuentan la historia de Herbert West, el reanimador.

Pocos relatos de terror son tan cortos, tan sencillos de leer como los de Herbert West, el reanimador, escritos por Howard Philips Lovecraft en 1922. Con un vocabulario simple, pero transmitiendo imágenes bien definidas y sensaciones claras, el autor estadounidense logra atrapar al lector y sumergirlo en un mundo oscuro y tétrico.

H.P. LovecraftSon seis relatos solamente los que describen la vida de este médico en su constante búsqueda de cadáveres frescos para experimentar y probar alguno de sus sueros que inyecta a los cuerpos para intentar revivirlos. Todos los cuentos están contados en primera persona no por Herbert West, sino por su asistente, de quien no conocemos el nombre.

Cada cuento recorre distintas etapas en la vida del reanimador; desde sus primeras investigaciones en la universidad y en laboratorios clandestinos, pasando por su estancia cercana a un bosque, hasta su participación como galeno en la Primera Guerra Mundial, que esconde un único y obsesivo interés: cadáveres frescos para experimentar. Si bien cada relato está ubicado en una misma línea temporal, se pueden leer de forma independiente sin ningún tipo de problemas. Hagamos una reseña de cada uno de ellos.

1. Desde la Oscuridad

El primer relato hace una presentación de los personajes, y nos ubica en el lugar y el tiempo. Está todo circunscripto a los comienzos de siglo XX, en la ficticia Universidad de Miskatonic, en Arkham, Estados Unidos.

Allí, el asistente de Herbert West nos cuenta el primer experimento macabro y los funestos resultados que cambian la vida de West para siempre; desde ese día, el joven reanimador quedará paranoico, ya no podrá descansar tranquilo y cada tanto deberá mirar hacia atrás para saber si alguien o algo lo está siguiendo.

2. El demonio de la peste

En esta historia el reanimador se encuentra con el problema de siempre. No dispone de cadáveres frescos y el decano Halsey no le permite usar las instalaciones de la Universidad.

El rebusque de Herbert West es sorprendente e incluso, hilarante. La frase final del cuento parece el remate de un chiste de humor muy negro. Este relato es excelente y es muy recomendable para aquellos que quieran conocer a H.P. Lovecraft.

3. Seis disparos a la luz de la Luna

West y su asistente mudan su laboratorio a una estancia alejada con la comodidad de poder hacer desaparecer los restos de sus experimentos en un bosque cercano y con la esperanza de conseguir cadáveres frescos.

Una nueva aberración de su creación volverá sediento de venganza. El título del cuento hace alusión al desenlace, con un Herbert West cada vez más paranoico.

4. El grito del muerto

Por fin Herbert West consigue un cadáver perfectamente fresco. Es el momento de comprobar la teoría de que si las células cerebrales aún no están deterioradas, el cadáver debería volver a la vida con la capacidad de razonamiento intacta. Tal vez, hasta pueda describir los misterios que esconde el más allá.

Este relato describe la verdadera naturaleza de Herbert West y es un punto de inflexión en la historia del personaje.

5. El horror de las sombras

El reanimador se traslada a la Gran Guerra, donde asiste a los heridos con sus conocimientos en cirugía, y donde consigue un pequeño laboratorio para experimentar aduciendo que lo hará para investigar nuevas técnicas quirúrgicas para aplicar en los soldados. Pero todas son excusas, su único motivo en la guerra es la cantidad de cadáveres para experimentar y la desorganización administrativa que le permitirá hacer lo que quiera con ellos.

El relato tiene un remate, similar al de El Demonio de la Peste y es, tal vez, el mejor los seis.

6. Las legiones de la tumba

El descenlace de la historia del reanimador llega en este último cuento. Los monstruos que ha ido creando a lo largo de su vida lo están buscando para imponer su justicia de ultratumba.

Todo indica que el día del juicio ha llegado para Herbert West y que el infierno abrirá sus puertas para recibir a un hijo pródigo.

Film de Herbert West
Con este personaje, Lovecraft le dio a la literatura de terror un emblema, que el cine tomó para hacer varias películas, aunque no muy destacables. La primera adaptación fue también la más conocida. Se estrenó en 1985 y se tituló Re-Animator, dirigida por Stuart Gordon.

A pesar de todo el horror de los espantosos monstruos que vuelven a la vida del más allá, en esta serie de relatos Lovecraft describe a otra criatura como la más terrorífica y sádica de todas: el ser humano, claro está.

jueves, 17 de julio de 2008

Robert Downey Jr., el nuevo Sherlock Holmes

Robert Downey Jr. Sherlock Holmes La noticia recorrió el mundo en pocas horas, el actor Robert Downey Jr. interpretará el papel de Sherlock Holmes en la nueva adaptación cinematográfica del famoso personaje creado por Sir. Arthur Conan Doyle.

Robert Downey Jr., famoso por su gran trabajo caracterizando al genial Charles Chaplin, viene de interpretar a Tony Stark en la película Iron Man, estrenada este año en los cines de todo el mundo.

El desafío está planteado para Downey Jr., un actor que ha tenido altibajos en su carrera, afectado especialmente por temas relacionados con su vida privada, tiene en sus manos el papel de uno de los grande personajes literarios de todos los tiempos.

En relación al papel, algunos podrían pensar que un actor de la talla de Ralph Fiennes (Schindler's List, Quiz Show y The Avengers) podría haber sido una buena opción. También hay quienes creen que la interpretación de Jeremy Brett en la serie de TV es sencillamente insuperable.

A pesar de todo esto, el crédito está abierto y Robert Downey Jr. tiene la inmejorable oportunidad de demostar en la pantalla grande si con las pinceladas de su talento puede estar a la altura del personaje.

El filme estará dirigido por Guy Ritchie y cuenta con guión de Anthony Peckman.

Si te interesa saber más sobre Sherlock Holmes, no te pierdas el Blog de Sherlock Holmes : http://blogsherlockholmes.blogspot.com/

miércoles, 16 de julio de 2008

Anne Rice, la reina de los vampiros

Anne Rice
A fines del siglo XIX, el escritor irlandés Bram Stoker le dio forma a una de las novelas más importantes de la literatura de todos los tiempos. Se nutrió de los mitos que circulaban en los lugares más recónditos de Europa y le dio forma al vampiro más famoso de la historia: Drácula.

A casi ocho décadas de la publicación de aquella magistral obra literaria, una mujer nacida en la ciudad estadounidense de Nueva Orleans, le muestra al mundo su particular visión del mundo vampírico.

El libro se llamó Entrevista con el Vampiro (Interview with the Vampire). La autora, por supuesto, fue Anne Rice. Fue escrito en 1973 y publicado en 1976, creando de esta forma su universo de vampiros de la famosa escritora.

Los protagonistas de esta primera entrega fueron Lestat de Lioncourt y Louis de Pointe du Lac.

El libro está contado por Louis, quien le revela los más increíbles secretos a un entrevistador. Estos detalles incluyen su conversión al vampirismo por medio de un ser tan despiadado como encantador, llamado Lestat, su sufrimiento, las penas y las aventuras que pasó a lo largo de su existencia.

También son parte de esta entrega la pequeña Claudia y el longevo vampiro Armand.

La adaptación cinematográfica de este libro llegaría en 1994, de la mano de Neil Jordan, con Tom Cruise en la piel de Lestat, Brad Pitt como Louis, Antonio Banderas en el rol de Armand y una pequeña Kirsten Dunst como Claudia.

La siguiente entrega literaria de las crónicas vampíricas llegaría en 1985 y llevó por nombre Lestat el Vampiro (The Vampire Lestat). La historia muestra a un Lestat convertido en estrella de Rock que decide contar su historia, sus orígenes en el vampirismo y su visión de la formtaleza y el sufrimiento que les entrega este oscuro poder.

La Reina de los Condenados (Queen of the Damned) llegaría tres años después para cerrar una etapa. Con personajes cautivantes se destaca la inquietante presencia de la reina Reina Akasha, legendaria figura en el mundo vampírico y reina de todos los vampiros. Lestat continua como figura y línea conductora de la historia.

Sin la calidad, ni las grandes actuaciones de la excelente adaptación de Neil Jordan, en el 2002 llega a la pantalla Queen of the Damned. Una película que engloba estas dos últimas novelas y que cuenta con Aaliyah como Akasha y a Stuart Townsend como Lestat de Lioncourt (a años luz de Tom Cruise).

En 1992 se edita El ladrón de cuerpos (The Tale of the Body Thief). Una nueva aparición de Lestat, pero esta vez con una historia que se podría pensar como independiente del resto, ya que no sigue necesariamente la línea de las anteriores. En este libro, el famoso personaje de Anne Rice, es engañado por un extraño individuo que logra obtener su cuerpo de vampiro. La trama gira en la necesidad de Lestat de recuperar su cuerpo sobrenatural.

En 1995 aparece un libro impactante, dentro de la saga vampírica: Memnoch el Demonio (Memnoch The Devil). Esta entrega es una imperdible historia que pone a Lestat, frente a frente , con el ser más despiadado con el que le haya tocado curzarse: el Diablo.

En 1998 llega el momento de contar la vida de uno de los vampiros presentados en la primer novela, en El vampiro Armand (The Vampire Armand). Es mismo año también aparece Pandora y al año siguiente Vittorio, como nuevas crónicas vampíricas.

Las historias de vampiros se completarían con la edición de los libros Merrick (2000), Sangre y Oro (Blood and Gold - 2001), El Santuario (Blackwood Farm - 2002), Cántico de sangre (Blood Canticle - 2003).

Además de las crónicas vampíricas, Anne Rice también creo el universo de las brujas de Mayfair que se encuentra en las novelas: La hora de las Brujas (The Witching Hour – 1990), Lasher (1993) y Taltos (1994).

Otras obras destacadas son El sirviente de los Huesos (Servant of the Bones - 1996) y Violin (1997).

La primera novela de su nueva colección, cuenta la historia de Cristo en sus niñez. El título es El Mesías. El niño judío (Christ the Lord: Out of Egypt) y está narrado en primera persona, como si el propio Jesús lo estuviera contando desde su infancia. Este libro llegó a las librerías en 2005.

Siguiente su saga relacionada con el catolicismo, este año ha editado Christ the Lord: The Road to Cana.

Link al sitio oficil de Anne Rice: http://www.annerice.com/

martes, 15 de julio de 2008

Duro de Matar, 20 años después

Se cumple el vigésimo aniversario de la caída y trágica muerte de Hans Gruber desde una ventana del edificio Nakatomi. Se cumplen veinte años de aquella epopeya de John McClane en la que se despachó él solito a todo un grupo de peligrosos terroristas.

Sí, el tiempo ha pasado; Duro de Matar convirtió a Bruce Willis en un héroe de acción. Su personaje se caracterizó por ser de lo más humano dentro del cine belicoso. Sangre, sudor y mugre lo envolvieron en esa cruenta noche de Los Angeles.

En esta nota, el homenaje que se merece este film que marcó un antes y un después en el cine de acción.

Sin dudas, Duro de Matar ha dejado una honda huella. Nunca un héroe de acción había sido ni tan humano, ni tan violento a la vez. Nunca una película de acción había mantenido al espectador tan enchufado y conectado con el personaje principal en su lucha por salvar a su esposa, a los rehenes y encima, sobrevivir.

Bruce Willis es el héroe; un policía de New York que cae por casualidad en Los Angeles y se topa con una toma de rehenes en un edificio ultra-moderno. Bonnie Bedelia es la esposa, Holly Gennaro, cuyo papel es trascendente en esta película. En la segunda parte pierde un poco de protagonismo y en la tercera y cuarta se la extraña mucho. No es para menos, pese a la difícil situación de pareja que lleva John McClane, su esposa es su única razón.

Párrafo aparte para uno de los mejores malos de la historia del cine: Hans Gruber, interpretado por un brillante Alan Rickman. Es genial el segmento en que se cruza con Bruce Willis y se hace pasar por un pobre inocente, para luego cambiar su semblante y apuntarle con un arma.


Como ya comentamos, la película mantiene al público expectante en todo momento. Una vez que la acción empieza, no se detiene. Apenas hay un par de minutos de distensión, cuando John McClane habla vía handy con Al, el policía que lo conversa para aflojar la tensión. Es conmovedor el abrazo final entre los dos hombres, luego de identificarse mutuamente aún sin haberse conocido personalmente.

Hay tiros, hay golpes de puño, hay patadas y hay explosiones. Los disparos salen de pistolas, ametralladoras automáticas y semi automáticas y hasta bazookas. No faltan los vehículos: automóviles, camiones de asalto y helicópteros. Todos los elementos del cine de acción están representados de forma impecable.


Duro de Matar ha dado muchas frases que recordamos cada vez que la vemos y que no podemos evitar decirlas antes que algún personaje hable. Recordemos algunas de ellas.

"En que líos te metes John."
"Me pediste un milagro, yo te doy al FBI."
"Ahora tengo una ametralladora. Ho-Ho-Ho"
"Soy el comisionado Robinson, estoy a cargo de todo"
"Ya no."
"Si así es la Navidad, no me quiero perder el año nuevo."
"¡¡Yipikaye M...!!"

Y podrían ser muchas más. Está claro que Duro de Matar influenció a toda una generación. No por nada tuvo tres secuelas, todas ellas de muy buen nivel. Ya pasaron 20 años de esta genial película de acción y aunque gran parte de nosotros la tenemos en nuestra videoteca, seguramente nos la quedamos viendo cuando la encontramos en la tele incluso ya empezada, y nos enganchamos a verla de la misma forma que la primera vez que la vimos.

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