sábado, 30 de agosto de 2008

Queen en Argentina con nuevo disco

Brian May, Roger Taylor y Paul RodgersYa pasaron más de 27 años desde aquella visita histórica, en la cual Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon pisaron suelo argentino para tocar en diferentes ciudades y dejar la huella de un amor imposible de borrar para un público que jamás los olvidará.

Aquél amor eterno tuvo un golpe difícil de superar el día 24 de noviembre de 1991, cuando Freddie Mercury no pudo seguir luchando más contra su enfermedad y se despidió de este mundo, dejando un vacío abismal en el corazón de todos los fanáticos de Queen.

Después de aquel triste suceso y la separación de Queen, el más activo de los miembros de la banda fue Brian May, quien en el marco de la gira de su carrera solista, volvió a Argentina para presentar sus nuevos temas y algunas de las joyas de la Reina. El público revalidó su cariño con el guitarrista, aunque se sintió la ausencia de Freddie.

Fueron muchos los años que pasaron hasta que Brian y Roger decidieron que era tiempo de volver al ruedo con Queen, ya sin Freddie y con John alejado de este proyecto, invitaron a Paul Rodgers para que fuera la voz principal de esta nueva formación.

Tras la gira que los llevó por varias ciudades del mundo y el CD doble y DVD en vivo titulado Return of the Champions, la banda conocida ahora como Queen + Paul Rodgers (o Queen + PR) toma envión y se pone a trabajar en un nuevo disco de estudio.

Este trabajo, que estará en la calle en los próximos días lleva por título The Cosmos Rocks y contiene con los temas: Cosmos Rockin, Time to Shine, Still Burnin, Small, Warboys (A Prayer for Peace), We Believe, Call Me, Voodoo, Some Things That Glitter, C-lebrity, Through the Night, Say It's Not True, Surf's Up... School's Out! y Small (Reprise).

Con este álbum Queen + PR estarán de gira, primero por las principales ciudades de Europa y luego por Sudamérica. La fechas elegida para que Brian May, Roger Taylor y Paul Rodgers se presenten en Argentina son el 21 y 22 de Noviembre. El escenario es el mismo que albergó a Queen en 1981 en sus presentaciones en la Ciudad de Buenos Aires: el estadio de Vélez Sarsfield.
Seguramente la nostalgia y el recuerdo de Freddie bañarán la noche de lágrimas, porque ya no está entre nosotros esa alma sensible y creativa que llevó a Queen a ser una de las más grandes bandas de todos los tiempos. Sin embargo, si se logra superar ese inevitable sueño de verlo salir una vez más al escenario, como en sus mejores noches, quizás se pueda disfrutar de esta nueva banda. Con una formación, que es distinta a aquélla que nos emocionó años atrás, pero que tal vez pueda ofrecer los suficientes destellos desde la guitarra de Brian May y la batería de Roger Taylor, para quedarnos con la sensación de que algo de aquél Queen aún está vivo, ya que ellos también fueron parte importante de esta historia.

Freddie fue un e único e irremplazable, ahora debemos brindar porque Queen + PR nos regalen un disco y unos shows de calidad, que puedan escapar a la comparación del tiempo que ya pasó y fue hermoso. Tan hermoso como la voz de Freddie.

lunes, 25 de agosto de 2008

Tim Burton, en el país de las maravillas

¿Qué más se puede agregar sobre la carrera de un hombre que deslumbró al mundo con su inagotable imaginación?

Quizás lo que se pueda mencionar es que a los 50 años es uno de los directores más importantes de la historia del cine. Y eso no es poca cosa.

Creador de mundos increíbles y personajes inolvidables, logró la simbiosis perfecta con Johnny Depp, a tal punto que cada nuevo trabajo que los une es un deleite para el público de todo el mundo.

Transformó a su esposa, Helena Bonham Carter, en su musa y en su extensión femenina en la pantalla, un lugar que también supieron lucir Winona Ryder y Christina Ricci, en otras de sus grandes películas.

Si repasamos su historia, aunque no fue su primer trabajo, seguramente hay que destacar el corto Vincent, como una de sus creaciones más personales. Luego vendrían otras joyas, como Beetle Juice, con Michael Keaton y Winona Ryder.

Se dio el gusto de dirigir a uno de sus más grandes ídolos, el mítico Vincent Price, a quien le regaló un broche de oro para una carrera inigualable. Esa última gran producción en la carrera del recordado actor, se llamó Edward Scissorhands, el Joven Manos de Tijera para Latinoamérica. La pareja central, estuvo a cargo de la inolvidable dupla conformada por Winona Ryder y Johnny Depp.

Tim Burton le devolvió la oscuridad a Batman en la pantalla, luego de su versión psicodélica de la década del sesnta. Y se dio el lujo de tener a un Jack Nicholson más que inspirado en el rol de Joker.

Creó uno de los más grandes clásicos de animación de todos los tiempos: The Nightmare Before Christmas. Con Jack Skellington, a esta altura, un personaje de culto. Cabe recordar que Burton escribió la historia, pero la película fue dirigida por Henry Selick. Aunque no hay dudas que la mano de Burton está presente en cada detalle de esta obra maestra.

Le rindió homenaje al peor director de la historia, con una de las mejores películas de la historia: Ed Wood. Con un Johnny Depp impecable y un Martin Landau que se mimetizó de una manera sorprendente con el mítico Bela Lugosi. La cinta contó además con la participación de Sarah Jessica Parker, Patricia Arquette y el genial Bill Murray.

Adaptó el clásico Sleepy Hollow, en una versión acorde a sus gustos, nuevamente con Johnny Depp, esta vez haciendo una pareja con Christina Ricci. Una mención especial se merece Christopher Walken, quien sabe y mucho como hacer de malo, otro actor a la medida de Burton.

Burton logra otra de sus películas más personales, abordando la relación padre e hijo en una cinta llena de fantasía, a la que llamó Big Fish.

Montó su propia fábrica de chocolate junto a Johnny Depp en Charlie and the Chocolate Factory.

Tomó una leyenda rusa del siglo XIX y la transformó en esa poesía visual llamada Corpse Bride (El cadáver de la novia). Una historia que cuenta con un protagonista llamado Víctor, un personaje animado a la imagen y semejanza de Johnny Depp, y por supuesto con su voz. Este pobre muchacho se debate entre dos novias: una viva y la otra muerta. En este filme, nuevamente Tim Burton nos deleita con una película a su medida. Un verdadero festival para los ojos, donde el mundo de los vivos es gris y sombrío, mientras que el de los muertos está lleno de color.

Tomó el musical de Broadway llamado Sweeney Todd y lo transformó en una película genial, deslumbrante y, por su puesto, muy Burton. Con Johnny Depp y Helena Bonham Carter.

Otro personaje muy afín al director, es Danny Elfman. Seguramente el hombre que mejor sabe poner la nota justa para que las películas de Tim Burton tengan ese toque de distinción que las hace únicas.

Dentro de lo que viene, en la filmografía del director, se destaca Alice in Wonderland (Alicia en el País de las Maravillas), una adaptación en formato CGI del clásico de Lewis Carroll. Todo indica que esta versión nos sumergirá en lo mejor del mundo Burton. Brindemos porque así sea.

domingo, 24 de agosto de 2008

Julieta Venegas en vivo en el Gran Rex

Julieta tiene magia, de eso no hay dudas. En vivo demuestra todo ese encanto y simpatía que que se percibe a través de esos discos, pero agregándole el condimento especial de su perfecta conexión con el público.

Si bien ya es buena conocedora de Argentina, el sábado 23 de agosto de 2008, realizó la primera de sus presentaciones de su disco Unplugged, en el teatro Gran Rex de la Ciudad de Buenos Aires y dejó bien en claro que es una artista completa, porque además de cantar y moverse muy bien, pasó su magia por distintos instrumentos, demostrando su calidad.

El show comenzó minutos después de las 22.30 hs. con el tema Limón y Sal, el mismo que le da nombre a su último trabajo de estudio y cuyo video es un genial homenaje a las películas mudas.

A lo largo de la casi hora y media que duró el espectáculo, pasó por los temas que componen su disco MTV umplugged, agregando algunas joyitas extras. Con un escenario y músicos acorde al formato, el conjunto se integró a una propuesta que el público disfrutó de principio a fin.

El invitado de la noche fue Adrian Dargelos, quien hizo un correcto dúo junto a Julieta en un tema.
Entre las canciones que brillaron, se destacan Ilusión (aunque se la extrañó a Marisa Monte), El presente, Eres para mi y Lento. Un momento especial fue cuando la cantante mexicana interpretó el clásico de Los Rodríguez, Sin Documentos, aunque sin dudas hubiera sido una explosión poder ver a Andrés Calamaro en el escenario junto a Julieta (será para la próxima), la versión fue muy bien recibida por el público.

Un momento emotivo de la noche fue cuando Julieta dedicó el tema Mírame bien a todas las parejas que deben encontrarse nuevamente, cuando las cosas no van bien y hay que volver a reconquistarse.

El primer cierre fue con el clásico Me voy, un tema muy apropiado para ese momento de la noche. Luego, la cantante volvería para cerrar la noche con Esta vez y el final de la mano de Andar conmigo.

Julieta mostró todo su talento en vivo en un formato íntimo, para deleite del público y seguramente también para el de la propia cantante, que se llevó lo mejor de su primera noche en estas nuevas presentaciones en Buenos Aires. Con un estilo singular, que según ella misma declaró ... es "pura intuición".

Mírame bien

Tenemos que aprenderlo todo otra vez,
yo a quererte a tí y tu a quererme a mí tambien
volver por el camino que inventamos,
empezarlo todo como la primera vez.

No dar por hecho que esto ya está todo bien,
la historia que escribimos se puede borrar también,
olvidar que lo nuestro fue una fuerza
como el río que te lleva sin dejarte respirar.

Mírame bien, te necesito igual
que algo tan pequeño como ver el día pasar,
mírame bien y dime si me ves
haciendo algo tan sencillo como ver el sol caer.

No dejemos que la vida coma nuestra verdad,
esto que tenemos y que lo tiene igual
no olvidarnos que un día habló tu alma
que se abrió como una flor y me dijo también

Mírame bien te necesito igual
que algo tan pequeño como ver el día pasar,
mírame bien y dime si me ves
haciendo algo tan sencillo como ver el sol caer

viernes, 22 de agosto de 2008

Robert Plant, un largo tiempo junto al Rock and Roll

Robert Plant Los aullidos de la maravillosa voz de Robert Plant aún deben estar rebotando en algún rincón del Madison Square Garden, como sus noches de mayor gloria junto a Led Zeppelin, como en aquella inolvidable película llamada The Song Remains the Same.

Los años pasan y este hombre de larga cabellera rubia aún sigue ligado a la música. Este señor que hace pocos días pisó los sesenta, es el sinónimo perfecto del Rock and Roll.

Su voz es tan legendaria que para muchos marca el inicio del heavy metal. Para otros, su estilo es la sensualidad encarnada en un sólo cuerpo, enmarcado por una forma de cantar que enamora, como lo podemos comprobar con ese magnífico blues llamado Since I've Been Loving You.

Su talento logra su punto máximo en esa increíble fábula cantada, llamada Stairway To Heaven. Una canción que ha trascendido a través de las décadas como un himno y ha hecho que la voz de Robert Plant se transforme en icono de la música.

Su sociedad musical con Jimmy Page es una de las más importantes de la historia de la música. En ellos se destaca ese particular diálogo entre cantante y guitarra, como se puede escuchar en esa joya llamada Black Dog.

Junto a esa perfecta máquina musical llamada Led Zeppelin pasó varios de sus mejores momentos musicales, como queda en evidencia en las canciones comentadas. Sin embargo merece un mención especial un tema que no encuentra paralelo. Una de esas canciones que se encumbran por su esencia única. Esta maravilla se llama Kashmir, una pieza musical que en algo más de ocho minutos envuelve a quien la escucha en una atmósfera cuya intensidad lo envuelve y lo transporta con una magia única. No por nada Plant la eligió como una de sus composiciones favoritas de sus años con Led Zeppelin.

Después de la muerte de John Bonham y la consecuente separación de Led Zeppelin, Plant arranca una nueva etapa en su carrera.

Tuvo algunas participaciones en una banda que se llamó Honeydrippers, interpretando una excelente versión del tema Sea of Love. De este proyecto también es parte Page, con quien años más tarde se reuniría para algunos trabajos acústicos y desenchufados.

En 1992 se presenta en el concierto Tributo a Freddie Mercury para cantar Crazy little thing called love e Innuendo y unos fragmentos del clásico tema de Led Zeppelin Thak you.

La carrera solista de Plant tiene muchos matices a lo largo de sus álbumes. De su última etapa se destaca especialmente su trabajo Mighty Rearranger, grabado junto a su banda Strange Sensation.

Robert PlantEn el 2007 se lanza ese maravilloso trabajo discográfico que Robert Plant nos regala junto a la cantante Alison Krauss. La placa lleva por nombre Raising Sand. En este disco se luce la voz de Plant en temas como Rich Woman o Your Long Journey, pero también sabe acompañar la armonía de Alison Krauss en una canción como Sister Rosetta Goes Before Us, donde la voz del rubio enrulado se escucha apenas susurrando unos momentos, pero lo suficiente para marcar el clima.

También el año 2007 es el que marca el retorno de Led Zeppelin en el estadio O2 Arena de Londres. En esa histórica jornada volvieron a sonar varios de los clásicos que hicieron que la voz de Robert Plant se convirtiera en objeto de culto por generaciones y generaciones que no paran de adorarla.

jueves, 14 de agosto de 2008

Clone Wars, Anakin y Obi-Wan en acción

Cuando hablamos de Star Wars, debemos saber que es un fenómeno que va mucho más allá de las películas, ya que la historia se ha expandido a una gran cantidad de personajes, creando un verdadero universo Star Wars.

A lo largo de seis películas se han narrado historias de los Jedi y los Sith, ubicando en el centro la vida de la familia Skywalker, y mostrando varios personajes memorables, como el eterno Obi-Wan Kenobi.

Todo comenzó en 1977, cuando se estrenó Star Wars: Episode IV - A New Hope. Luego vendrían The Empire Strikes Back y Return of the Jedi, para completar la trilogía original.

Muchos años después llegaría Star Wars: Episode I - The Phantom Menace, seguida por Star Wars: Episode II - Attack of the Clones y luego por la esperada Star Wars: Episode III - Revenge of The Sith.

Como comentamos anteriormente, existe un universo expandido de Star Wars, que se completa con libros, comics, videojuegos, juegos de rol y hasta unos episodios animados de las guerras clónicas que se emitieron por televisión y luego se editaron en DVD.


Luego de la salida del Episodio II (El Ataque de los Clones), Lucasfilm Animation produjo una serie animada para televisión de 25 episodios cortos, que narraban las guerras clónicas. De esta forma se hacía el nexo perfecto con el tercer episodio, que completaba la primer trilogía y cuyo comienzo, cuenta el final de las guerras clónicas.

Tres años después del estreno del Episodio III (La venganza de los Sith), Lucasfilm Animation lleva a la pantalla grande Star Wars: The Clone Wars, una producción que aprovecha al máximo las posibilidades que ofrece hoy en día la tecnología CGI, en el procesamiento y generación de gráficos en tres dimensiones.

El resultado está a la vista. Una película a la altura de la saga, con gráficos sorprendentes y lo mejor: Anakin y Obi-Wan en acción, junto a nuevos personajes, algunos clásicos como el maestro Yoda y villanos como el Conde Dooku.

Una propuesta que promete ser un plato fuerte para los fanáticos de Star Wars. La fecha de estreno par Argentina es el 14 de Agosto, mientras que a Estados Unidos y Reino Unido estará llegando un día después.

Sitio oficial: http://www.starwars.com/clonewars/site/index.html

lunes, 11 de agosto de 2008

Las mejores películas de Vampiros - El top 7 del Blog de Más que palabras

VampirosDentro de las películas de terror, siempre se han destacado personajes especiales: asesinos seriales, monostruos implacables y mentes totalmente desequilibradas.

Entre toda esa basta galería de seres, hay uno que se ha ganado un lugar de privilegio: el vampiro. Una criatura con el poder, no sólo de beber la sangre de su víctima, sino también el de tomar su vida o convertilo en uno de los suyos.

En este nuevo Top 7 del Blog de más que Palabras, haremos una recorrida por las mejores películas de vampiros de todos los tiempos, desde el cine mudo hasta la actualidad.

1. Nosferatu, eine Symphonie des Grauens (Nosferatu, una sinfonía del horror, 1922): esta película muda es una de las obras cumbre del expresionismo alemán y a la vez la primera producción que pone al vampirismo en primer plano. Dirigida por el mítico realizador alemán Friedrich Wilhelm Murnau y protagonizada por un inigualable Max Schreck, en el papel del vampiro, el Conde Orlok. La historia cuenta que los estudios productores del filme no pudieron conseguir los derechos de la novela Drácula (de Bram Stoker). A pesar de eso, Murnau no se dio por vencido y decidió hacer su propia versión de esa historia. El resultado fue inmejorable, una película rodada en blanco y negro, pero con matices, planos y especialmente rostros que lo dicen todo. Nosferatu es una película que sumerge al espectador en su atmósfera, extraña e inquietante. La cima del horror en una cinta que se transformó en mito.

2. Dracula (1931): Si Max Schreck fue un perfecto Nosferatu ¿qué se puede decir del gran Bela Lugosi? Sin dudas el actor húngaro se transformó en el sinónimo de Drácula a lo largo de generaciones y aún hoy su rostro es identificado con el vampiro más famoso. La producción, basada en la novela de Bram Stoker, fue dirigida por Tod Browning y es un verdadero clásico.

3. Interview with the Vampire (Entrevista con el vampiro, 1994): basada en la novela de Anne Rice y con dirección de Neil Jordan, esta obra presenta una forma distinta de vampiros. En esta película se pueden conocer en profundidad las sensaciones de un vampiro desde el momento mismo en que “nace a la oscuridad”. La narración en primera persona cuenta detalles y planteamientos que se hacen los protagonistas, que a pesar de sus poderes sobrenaturales tienen sufrimiento, ira, rencor y quizás hasta puedan sentir compasión. Tom Cruise personifica a un impecable Lestat de Lioncourt, mientras que Brad Pitt se pone bajo la pálida piel de Louis de Pointe du Lac. Kirsten Dunst se destaca en el rol de una pequeña, pero inquietante Claudia, Antonio Banderas es Armand y Christian Slater personifica a Daniel Malloy, el privilegiado entrevistador que escucha la historia de Louis.

4. Dracula (1992): No es casualidad que, de una manera u otra, tres de las cuatro primeras películas de esta lista estén basadas en la novela de Bram Stoker. Y este caso no es la excepción. La historia contada por Francis Ford Coppola, en varios de sus pasajes, es la más fiel adaptación a la novela de Stoker. Sin embargo, se desvía un poco, al enfatizar una historia de amor, en la relación entre Mina y Drácula, cuando en el texto original la situación es algo distinta. Más allá de esto, Gary Oldman logra una caracterización antológica del Conde más famoso de la literatura. En el elenco además sobresalen Winona Ryder (Mina), Keanu Reeves (Jonathan Harker) y Anthony Hopkins (Profesor Van Helsing). El filme logra su mayor fidelidad con la novela, en las escenas del castillo, cuando Jonathan visita a Drácula, uno de los momentos más recordados del filme.

5. Shadow of the Vampire (La sombra del vampiro, 2000): una vez más Nosferatu se hace presente en este ranking, pero esta vez de una manera muy especial. Este filme se centra en el rodaje de la mítica película de 1922, pero con la particularidad de plantear que en realidad el protagonista era un vampiro de verdad. La película sugiere este hecho, desde una reconocida carrera de F.W. Murnau en el cine y las pocas referencias que hay sobre la intrigante carrera de Max Schreck, especialmente teniendo en cuenta que muchas cintas de aquella época se han perdido Desde este lugar se plantea una historia genial, con John Malkovich en la piel de Murnau y un inmenso Willem Dafoe en el papel de Schreck, un vampiro de verdad, al que se lo presenta como un actor de método ante el resto de elenco, que comienza a verse preso de extraños sucesos.

6. The Fearless Vampire Killers (1967): También conocida como Dance of the Vampires (la danza de los vampiros). Roman Polanski dirigió y protagonizó una verdadera joya del cine, que demuestra que es posible hacer humor del bueno utilizando a los vampiros como argumento.

7. From Dusk Till Dawn (Del crepúsculo al amanecer,1996): una película que es un verdadero homenaje al género. Dirigida por Robert Rodriguez, basada en una historia de Robert Kurtzman y guión de Quentin Tarantino. Con todo el estilo de películas clase B que aman Rodriguez y Tarantino, pero con un reparto estelar: Harvey Keitel, George Clooney, Juliette Lewis, Salma Hayek y el propio Quentin Tarantino (como hermano de Clooney) El filme arranca como una genial road movie, para luego transformarse en un verdadero festín de vampiros y sangre. Una producción con todos los ingredientes para ser una película de culto.

Menciones especiales:
Drácula (1958) de Terence Fisher con Christopher Lee y Peter Cushing.
The Hunger (El ansia) de 1983 con Catherine Deneuve y David Bowie.
Underworld (2003) con Kate Beckinsale.
Blade (1998) con Wesley Snipes.

sábado, 9 de agosto de 2008

The Man from Earth, cuando la ciencia ficción no necesita de efectos especiales

The Man from EarthEn tiempos donde las películas de ciencia ficción se identifican por ser producciones en las que se invierten millones de dólares en efectos especiales, un filme demuestra que, con creatividad, alcanza con la sala de una casa y apenas unos minutos en los exteriores que rodean el lugar.

Una producción sencilla desde el punto de vista económico, que no necesitó de estrellas de Hollywood para brillar. Cuenta con actores que se desempeñan en su rol con solvencia y son creíbles en su papel.

La película se llama The Man from Earth, y podría traducirse como El Hombre de la Tierra.

La historia comienza con la despedida de un profesor de la universidad, que luego de diez años en ese lugar, decide partir.

Un grupo de amigos y conocidos, algunos hombres de ciencias, se sientan junto a él para darle sus mejores deseos ante la partida.

Sin embargo una revelación inesperada cambia todo. En sus últimos momentos en ese lugar, el protagonista les comenta a los presentes que en realidad es un hombre que nació hace 14.000 años, y que por alguna razón de la naturaleza no puede envejecer. La sorpresa, la desconfianza y la presunción de demencia, invaden a todos en el lugar.

Mientras el protagonista, llamado John Oldman, va revelando facetas de su vida, las que su memoria aún mantiene frescas, los demás lo escuchan con atención e intentan develar si la historia que está narrando ese profesor de universidad es real, o si sólo son hechos imaginarios de una mente brillante ... o desequilibrada.

La narración llega hasta la época en la cual el hombre vivía en cuevas y tallaba su arte en las paredes, pasa por civilizaciones antiguas, hasta volver a momentos actuales.

Uno de los pasajes más fuertes del filme se produce cuando John hace una de las revelaciones más trascendentales del cristianismo. En ese momento, la historia encuentra uno de los instantes de mayor carga dramática, ya que se ponen en juego las creencias religiosas de los presentes.

A la película muestra las facetas que lleva consigo esta longevidad. Las leyendas, el escepticismo, el temor o la envidia que este don puede despertar en el resto de lar personas.

También se muestra como es el amor para una persona a quien no le pasan los años, pero sin embargo debe sufrir la muerte de quienes lo rodean.

Una película para ver con atención, para disfrutar y reflexionar sobre una historia inteligente. Un filme de ciencia ficción distinto para quienes se animan a dejar volar su imaginación.

The Man from EarthEl reparto está liderado por David Lee Smith, como John Oldman, cuyo apellido es un juego de palabras que quiere decir “Hombre viejo”. El actor cuenta en su carrera con varias participaciones en series de TV.

El elenco lo completan John Billingsley, Ellen Crawford, William Katt, Annika Peterson, Richard Riehle, Alexis Thorpe y Tony Todd (conocido por su papel en Candyman).

Escrita por Jerome Bixby, famoso por haber dejado el sello de su creatividad en series como Men Into Space, The Twilight Zone y Star Trek. Además Fantastic Voyage está basado en una historia suya. La dirección del filme estuvo a cargo de Richard Schenkman.

El filme fue estrenado en 2007 en diversos festivales en Estados Unidos y esperamos que pueda llegar pronto al resto del mundo, al menos en formato DVD.

Sitio web de la película: http://www.manfromearth.com.

viernes, 8 de agosto de 2008

Lo mejor de Bruce Willis – El top 7 del Blog de Más que palabras

Bruce WillisSi hay un actor que tiene fama de duro en la pantalla, ese es Bruce Willis, y bien merecido que lo tiene después de ser un inigualable John McClane. Sin embargo, el actor se ha desempeñado en diversos roles, incluso en el del famoso psicólogo Malcolm Crowe, quien intenta aydar a un niño que ve "gente muerta".

En este top 7 del Blog de Más que palabras, haremos una recorrida por sus mejores películas, incluyendo las que fueron un hito en su carrera.

1. Die Hard (Duro de matar, 1988): hace poco comentábamos en el blog los 20 años de esta joya del cine de acción. No hay fanático del género que pueda olvidar a Bruce Willis en esta película, que marcó un antes y un después en su carrera. Aunque en algún momento se pensó en otros grandes héroes de acción para este filme, la fortuna quiso que Bruce Willis hiciera historia en este filme. Nadie pudo ser un mejor John McClane que Bruce Willis, nadie. Quizás algunos puedan pensar que otras películas de este ranking puedan merecer este primer lugar, pero para ser justos, este filme es el que mejor representa la carrera del gran Bruce y el que lo transformó en "el más duro".

2. The Sixth Sense (Sexto sentido, 1999): esta película dio mucho que hablar desde su estreno, especialmente por la historia y su inesperada vuelta de tuerca del final. Mucho se habló de la extraordinaria interprestación de Haley Joel Osment, el pequeño Cole Sear que ve “gente muerta”. Pero no hay que olvidar al genial Bruce Willis, en un papel diferente, pero clave para el éxito del filme. Esta producción demuestra la capacidad y versatilidad de Bruce para interpretar papeles que presentan características diferentes.

3. Sin City (Ciudad del pecado, 2005): en la obra maestra de Frank Miller (que cuenta además con dirección de Robert Rodriguez y Quentin Tarantino, como director invitado) Bruce Willis no tiene el papel protagónico, pero sí un rol que se destaca en el filme. En esta historia, Willis interpreta a Hartigan, un policía a punto de retirarse que se encuentra con un hecho que marca su vida. Dentro de las historias que envuelve la película, a Bruce Willis le toca cruzarse nada menos que con la bellísima Jessica Alba, que interpreta a Nancy Callahan, una hermosa mujer devenida en bailarina erótica.

4. Pulp Fiction (Tiempos violentos, 1994): bien es sabido que Tarantino eligió una particular forma para contar la historia de su película más emblemática. El filme muestra a John Travolta y a Uma Thurman como iconos, y a Samuel L. Jackson como un personaje inolvidable. Pero también cabe recordar la actuación de Bruce Willis, en la piel de Butch Coolidge y la inolvidable historia del rejoj de oro (con la genial intervención de Christopher Walken). Otra demostración de que con pocos minutos en la cinta, Bruce Willis logra destacarse.

5. Twelve Monkeys (Doce monos, 1995): de esta película ya hablamos al hacer el top 7 de las mejores películas de viajes en el tiempo. En este filme, Bruce Willis es James Cole un hombre que es elegido para ser enviado al pasado y encontrar el origen de un virus que está debastando a la tierra en el año 2035.

6. The Fifth Element (El quinto elemento, 1997): dirigida y basada en una historia del realizador Luc Besson. El filme está ambientado en el futuro, donde Bruce Willis personifica a Korben Dallas, un ex-hombre del ejercito, devenido en taxista. También son parte del filme Gary Oldman y Milla Jovovich.

7. Hostage (Bajo Amenaza, 2005): Bruce Willis otra vez de policía , como en sus mejores tiempos de Duro de matar. En esta oportunidad es Jeff Talley, un experimentado negociador que se verá en una encrucijada que involucra la vida de su familia. Acción de la buena y alta tensión, con un Bruce Willis que no pierde vigencia.

miércoles, 6 de agosto de 2008

Help!, un disco lleno de joyas Beatles

HelpParece una semana Beatle, aunque en realidad no los es (o tal vez lo son todas). Hace 43 años John, Paul, George y Ringo lanzaban uno de sus discos más representativos: Help!.

La placa formó parte de la banda de sonido de la película que lleva el mismo nombre y que fuera protagonizada por los fabulosos cuatro de Liverpool.

El disco está compuesto por 14 canciones: Help! - The Night Before - You've Got to Hide Your Love Away - I Need You -Another Girl - You're Going to Lose That Girl - Ticket to Ride - Act Naturally - It's Only Love - You Like Me Too Much - Tell Me What You See - I've Just Seen a Face – Yesterday - Dizzy Miss Lizzy.

Help!, el tema que le da nombre a la placa y abre el disco. Es un clásico Beatle que representa un verdadero pedido de ayuda, escrito por Lennon, para escapar de la presión que estaban viviendo por ese tiempo y todo lo que las fama trae consigo.

The Night Before es una bella canción de Paul, que le da paso a otro clásico: You've Got to Hide Your Love Away (con todo el acento de John Lennon).

Ticket to Ride es uno de los más importantes éxitos de la placa, escrito por Lennon y con un toque de Paul. Fue simple de difusión y furor en muchas partes del mundo.

Al hablar del disco Help! es imposible no detenerse en un tema que trasciende al momento creativo que rodea al álbum y se transforma en algo mucho más grande, incluso más allá del talento de los músicos y del propio compositor. Este tema se llama Yesterday. Escrita por Paul, originalmente hablaba de huevos revueltos, letra que luego fue modificada para llegar a la forma que hoy conocemos.

martes, 5 de agosto de 2008

Revolver, a 42 años de uno de los mejores álbumes de los Beatles

Revolver The BeatlesNo descubrimos nada si decimos que The Beatles ha sido uno de los grupos que marcó, para siempre, la historia de la música.

Sin dudas, la década del sesenta tiene muchos iconos que la representan fielmente y uno de los más importantes son los cuatro fabulosos de Liverpool.

El 5 de agosto de 1966, bajo de la producción de George Martin, The Beatles lanzaban el disco Revolver, una placa que se sumergía con varios de sus temas en la música psicodélica, tan característica de esos años. La grabación del material se realizó entre abril y junio de ese año, en los míticos estudios Abbey Road.

El álbum, en su versión original cuenta con 14 temas, en su mayoría firmados por Lennon y McCartney: Taxman - Eleanor Rigby - I'm Only Sleeping - Love You To - Here, There and Everywhere - Yellow Submarine - She Said She Said - Good Day Sunshine - And Your Bird Can Sing - For No One - Doctor Robert - I Want to Tell You - Got to Get You into My Life - Tomorrow Never Knows.

Taxman es uno de los éxitos del disco, escrito por George Harrison, es una crítica al sistema tributario inglés y a las altas imposiciones a las ganancias, que debían pagar los músicos.

Eleanor Rigby es probablemente el mejor tema de la placa. Firmada por Lennon y McCartney, es un tema que en realidad muestra a Paul en su máximo esplendor creativo. Con un arreglo de cuerdas antológicas, esta canción fue uno de los cortes del disco. Como curiosidad, la letra original hablaba de “Father McCartney” en lugar de “Father McKenzie” de la versión final.

Here There y Everywhere es otra de las piezas destacadas que se atribuye a la pluma de Paul, con un excelente arreglo vocal. For No One es otro de los grandes logros de McCartney en este álbum.

Yellow Submarine es quizás uno de los temas más conocidos de la placa. Tan popular fue, que posterirmente se convertiría en una película animada.

Tomorrow Never Knows es el tema que cierra el disco con el toque psicodélico que le imprime John Lennon, al igual que a otros momentos del disco.

lunes, 4 de agosto de 2008

Tropic Thunder, la comedia con Ben Stiller, Robert Downey Jr. y Jack Black

Tropic Thunder Juntar en un mismo elenco grandes actores no garantiza una gran película, sin embargo al ver los avances y el argumento de Tropic Thunder, el crédito queda abierto.

Un grupo de actores, con diferentes estilos, se internan en la selva para filmar una película bélica. El destino los hace quedar en medio de un conflicto real.

En los roles protagónicos se encuentran: el héroe de acción Tugg Speedman interpretado por Ben Stiller, el multipremiado Kirk Lazarus encarnado por Robert Downey Jr. y el actor cómico Jeff Portnoy en manos de Jack Black. Dentro del elenco, además se destacan las participaciones de Nick Nolte, Tom Cruise, Tobey Maguire, Mickey Rooney.

Tropic Thunder
El filme cuenta con la dirección de Ben Stiller y está escrito por Ben Stiller, Justin Theroux y Etan Cohen.

Distribuida por DreamWorks, el estreno en Estados Unidos está programado para el 13 de Agosto. Por su parte estará llegando a México el 22 de dicho mes y el 4 de Septiembre a Argentina.

Sitio oficial de la película: http://www.tropicthunder.com/


'Tropic Thunder' @ Yahoo! Video

domingo, 3 de agosto de 2008

Fritz Lang, adelantándose a su tiempo

Fritz LangSi hablamos de grandes maestros de la dirección, no podemos obviar a Fritz Lang. Este austríaco dio al cine inmensas obras de arte como Metrópolis y M, el vampiro de Düsseldorf.

Pero no solo su obra es interesante; su vida es digna de una película. Se enroló, luchó y resultó herido en la Primera Guerra Mundial; fue elegido por el régimen nazi para dirigir sus estudios cinematográficos y renunció a ese privilegio debido a sus convicciones. La pérdida de la vista fue lo único que lo pudo alejar de su gran pasión, el cine.

Se cumplen 32 años de su desaparición física, pero su legado cultural permanece intacto.

El nombre completo de este gran director era Fritz Anton Christian Lang y vino al mundo un 5 de diciembre de 1890, en Viena. Decidió estudiar arquitectura, pero dejó la carrera para dedicarse a escribir guiones.

Pero algo se interpuso en el camino: la guerra o, mejor dicho, la Gran Guerra en realidad. Se enroló en el ejército austríaco y fue al frente de batalla, donde resultó herido.

La clave de su inclinación a la dirección radiqua en el primer film que fue hecho sobre un guión suyo. Se trata de Die Hochzelt im Exzentrik Klub, que no conformó a Lang y lo impulsó a querer dirigir sus propios filmes para contar las historias tal como él las pensó.

Entre sus filmes más destacados, se encuentra la saga de Dr. Mabuse. Una de las primeras grandes trilogías de la historia del cine. La primera, de 1922, Dr. Mabuse, der Spieler - Ein Bild der Zeit; la segunda parte, de Le Testament du Dr. Mabuse; y la tercera, titulada Die 1000 Augen des Dr. Mabuse, de 1960. Cada una de ellas representan distintas etapas de la carrera de Lang.

Metrópolis es la obra maestra por la cual siempre será recordado. Una película muda de ciencia ficción basada en una historia de su esposa Thea von Harbou, con contenido político. Fue filmada en 1927 y es considerada por algunos como un exponente del expresionismo alemán de esa época, otros disienten y creen que solo algunas escenas de Metrópolis representan esa corriente artística.

MetropolisMuchas secciones del film se perdieron con el tiempo debido a la censura y también por la Segunda Guerra Mundial, durante la cual no se pudieron preservar las copias originales de Lang. No obstante, hace pocas semanas, una noticia desde Argentina sorprendió al mundo: se halló en Buenos Aires una copia del original de Lang, que contiene escenas de las que muchos solo habían escuchado hablar.

Otra excelente pieza dirigda por Lang es M, el Vampiro de Düsseldorf (titulada simplemente M en la versión original). Cuenta la historia de un asesino de niños, personificado por Peter Lorre, que azota a la ciudad de Düsseldorf con sus horribles crímenes. La policía no lo puede ubicar y la presión de la sociedad sobre el cuerpo de seguridad comienza a ser cada vez mayor. Es por eso, que todo el submundo dominado por la mafia se ve afectado por los constantes asedios policiales en busca del "vampiro de Düsseldorf". Será entonces la misma mafia quien se organizará para encontrarlo y poder así seguir con sus actividades. Esta película está considerada como una de las inaugurales del film-noir o cine negro policial.

M Vampiro de DusseldorfPeter Lorre, en una de sus primeras grandes actuaciones, interpreta al asesino. La escena final, durante el juicio, donde se lo puede ver como a un hombre luchando contra sus propios demonios es una de las primeras perlas de la actuación en el cine sonoro.

Fritz LangJoseph Goebbels, ministro de propaganda del Tercer Reich le ofreció a Lang el puesto de director del UFA (Universum Film AG), el estudio más importante de Alemania. Pero Lang no estaba para nada de acuerdo con las ideas nazis, por lo tanto, esa misma noche, armó sus valijas y salió del país, abandonando a su esposa, férrea defensora del régimen.

Su destino fue Hollywood, donde hizo algunas películas como Fury y Man Hunt, luego la presión de los estudios lo llevó a hacer películas más comerciales y eso lo terminó desalentando. A pesar de todo, como pudo, siguió haciendo cine de autor pero la pérdida de la vista lo alejó por completo y para siempre de su rol de director.

Fritz Lang es uno de los maestros más grandes que ha dado la historia del cine. No se puede más que recomendar ver sus films, para retroceder al pasado del cine y dejarse llevar por cada una de esas películas, que a pesar de ser profundas y antiguas, entretienen tanto como las modernas.

sábado, 2 de agosto de 2008

Grandes momentos del Rock Argentino (primera parte)

Norberto Pappo NapolitanoQuizás estás líneas sólo sean la delgada cuerda que une un momento con el que sigue. Posiblemente estas palabras sean simplemente una sucesión de nostalgias que afloran al escuchar las canciones, pero en este momento quería compartirlas con todo aquél que las quiera leer. Y quien sabe, quizás hasta la música les pueda llegar ...

El Rock Argentino (ó el Rock Nacional para quienes estamos en este rincón del mundo), ya ha superado los 40 años de edad, tomando como punto de partida la aparición de Los Gatos. En todo este tiempo, quienes disfrutamos de esta música nos enamoramos de letras y canciones. En esta oportunidad simplemente vamos a recorrer algunos momentos elegidos ...

Y hablando del momento en que estamos, no podemos olvidarnos de ese clásico llamado Presente, de Vox Dei, que dice en su letra “...creía que el amor no tenía medida...”. Un tema inolvidable que se transmitió, casi como un legado, de generación en generación.

Arrancando la década del ’70 Miguel Cantilo creó su particular pintura de aquel Buenos Aires con la canción Yo vivo en una ciudad. Un tema, que en su época demostraba rebeldía, en cosas como “...Yo adoro a mi ciudad, aunque su gente no me corresponda
cuando condena mi aspecto y mis hondas, con un insulto al pasar ...”ó “... Yo adoro a mi ciudad, cuando las chicas con sus minifaldas parecen darle la mágica espalda a la inhibición popular...”. Sin lugar a dudas, Pedro y Pablo fue uno de los grandes dúos que marcó la década.

Sui Generis es otro de los grandes iconos del Rock Argentino, con estatura de leyenda, dejó clásicos que transcienden el tiempo. Entre tantas joyas, suena ahora en mis oídos unas palabras que definen mucho “... Sabía yo creer el cuento sin razón, al hada, la bruja y a vos, sabía correr, podía reír, y creo también que era feliz ...”. Seguramente si uno escucha y reflexiona sobre la letra de Dime quién me lo robó, alguna lágrima se nos puede escapar.

“Tengo tiempo para saber si lo que sueño concluye en algo... ” se puede escuchar decir al Flaco Luis Alberto Spinetta en Bajan. Tal vez para alguien eso signifique mucho y para otros sea una utopía absurda. Sin embargo, si siempre dejamos nuestro sueños sin concluir, quizás en algún momento nos reprochemos lo que hemos hecho de nosotros mismos.

Al comenzar a hablar del Rock Argentino, surgió el nombre de Los Gatos como uno de los pilares de esta historia. En ese aspecto mucho tuvo que ver Litto Nebbia, que varios años después de aquel suceso, compuso una canción que decía “En mi almanaque hay una fecha vacía, es la del día que dijiste que tenías que partir ...”. La canción se llamó Sólo se trata de vivir y se encuentra entre las mejores composiciones del músico.

Casi estaba cerrando estas líneas cuando se me cruzaron unas palabras del genial Norberto Pappo Napolitano, que en su tema Desconfío, dice:

No se porqué
imaginé
que estábamos unidos
y me sentí mejor
pero aquí estoy
tan solo en la vida
que mejor me voy

Un viejo Blues
me hizo recordar
momentos de mi vida
y mi primer amor
pero aquí estoy
tan solo en la vida
que mejor me voy.

Dicen que la música pude transportar a las personas a algún momento y algún lugar. Espero que alguno de estos fragmentos los hayan llevado, a ese sitio y ese momento que querían recordar. Se puede pensar en muchas otras canciones, músicos y momentos inolvidables ... pero eso, por ahora queda para la próxima vez ...

viernes, 1 de agosto de 2008

Jean Reno, talento con acento francés

Jean RenoSolo una raza selecta de actores tienen el talento necesario para quedar bien en cada una de sus interpretaciones. Está claro que Jean Reno es parte de ella.

Este actor francés que acaba de llegar a los 60 años de edad, ha ido escalando posiciones en Hollywood de manera increíble. Su rostro llenó la pantalla grande tanto en enormes producciones como en proyectos independientes.

A continuación, un recorrido por los trabajos más destacados de un actor que nunca defrauda.

Jean Reno nació un 30 de julio de 1948, en Casablanca, Marruecos. Que ese haya sido el lugar de nacimiento, constituye una hermosa ironía de la vida, pues la palabra Casablanca remite tanto a un lugar del África, como al cine mismo.

Un dato curioso respecto de su vida es que sus padres eran andaluces, por lo que su nombre original no es Jean Reno, sino Juan Moreno y Herrera Jiménez.

Aunque ya tenía una carrera hecha en Francia, se empezó a hacer conocido a nivel mundial allá por 1990, cuando participó de Nikita, película de acción de Luc Besson. Su papel de Victor Nettoyeur (o Victor el Limpiador, o Victor The Cleaner) es brillante, a pesar de tener pocas intervenciones. Interpreta a un agente con orden de matar a sangre fría y de no dejar rastros de absolutamente nada, y es por eso que para él, el quitamanchas es una herramienta tan importante como las armas de fuego

Tiempo después, en 1993, interpretó Godefroy, un caballero medieval que por arte de magia se transporta en el tiempo hasta nuestros días junto a su siervo, interpretado por un genial Christian Clavier. Los Visitantes fue una comedia desopilante por donde se la mire y años después tuvo su secuela y hasta una remake.

Los VisitantesAl año siguiente filmó tal vez su mejor película: Léon, que en latinoamérica se tituló El Perfecto Asesino, y en la que nuevamente se puso a las órdenes de Luc Besson. En esta cinta, interpreta a un asesino a sueldo que se topa con una niña, Natalie Portman, cuya familia fue asesinada y busca venganza. Es también parte del film Gary Oldman, que compone a un policía corrupto. Un villano alejado de aquel que interpretó en Drácula; aquí vemos un Oldman más perverso que nunca.

El Perfecto AsesinoEn 1995 formó parte del elenco de Más allá de las Nubes (Al di là delle nuvole), escrita y dirigida por Michelangelo Antonioni y que contó con las actuaciones de John Malkovich, Sophie Marceau, Irene Jacob y Peter "Robocop" Weller.

Al año, primero ayudó a Tom Cruise y luego lo traicionó en Misión: Imposible. Nunca deberemos olvidar que todas la proeza atlética que Cruise realiza en la sala supercustodiada del edificio de la CIA en Langley, es posible gracias a que Jean Reno lo sostiene desde arriba.

Luego, en 1998, llegó aquella superproducción llamada Godzilla, en la que tuvo un rol secundario, pero que no dejó de ser importante. Ese mismo año, fue coprotagonista de Robert De Niro en Ronin, una muy buena película de acción al estilo europeo.

Seguramente su talento como actor y su rostro serio e intimidante lo llevó a protagonizar Los Ríos de Color Púrpura (Les Rivières pourpres), un policial muy interesante, en el que compartió cartel con Vincent Cassel. En 2004, filmó la segunda parte de esta cinta, que tuvo en su elenco a Christopher Lee.

En 2003, compartió pantalla con Gérard Depardieu en Tais-toi!, una divertida comedia al estilo francés.

Cuando se estaban repartiendo los papeles para la versión cinematográfica de El Código Da Vinci, todos los que habíamos leído la novela sabíamos muy bien que todos los roles podían ser disputados entre uno u otro actor, pero el Capitán Bezu Fache debía ser Jean Reno; no había otro mejor para interpretarlo. Y no estabamos equivocados, Jean Reno colmó las expectativas, aunque el film no tanto.

El Codigo Da VinciEse mismo año se estrenó La Pantera Rosa, remake del clásico de Blake Edwards e interpretada por Peter Sellers. Jean Reno interpreta a Ponton, mientras que el rol de Clouseau lo lleva adelante Steve Martin. Para 2009 ya se espera la segunda parte de esta vieja y renovada franquicia.

Y hasta aquí llegan por ahora los títulos más destacados de la carrera de este gran actor que, pase lo que pase, siempre está a la altura de las circunstancias.

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