miércoles, 30 de abril de 2008

Kirsten Dunst, de niña a mujer

Kirsten Dunst podría incluirse en la selecta lista de niñas actrices que lograron superar esa etapa y consolidarse en la carrera.

Esta bellísima mujer, nacida el 30 de Abril de 1982, comenzó su carrera cinematográfica a los 6, con la película New York Stories (Historias de Nueva York). Comenzada la década del noventa, se destaca su trabajo en la película The Bonfire of the Vanities (La Hoguera de las Vanidades).

Luego tendría diferentes roles en televisión, hasta que en 1994 se estrena en cine la adaptación de la novela de Anne Rice: Interview with the Vampire (Entrevista con el Vampiro). En este filme, Kirsten encarna a Claudia, una niña vampiro de gran personalidad. Esta película es protagonizada por Tom Cruise y Brad Pitt. Justamente con Brad Pitt es con quien Kirsten juega una recordada escena con beso incluido. Este trabajo fue un importante paso en su carrera y le abrió la puerta a nuevos roles.

Sus siguientes películas serían Little Women (Mujercitas) y con Jumanji. Los años siguientes tendría diversos papeles en series como Touched by an Angel, The Outer Limits y ER.

Otro paso importante en su carrera se da a fines de la década del noventa, con la película The Virgin Suicides (Las Vírgenes Suicidas), dirigida por Sofia Coppola.

En el año 2002 gozaría un momento de gran popularidad, al encarnar a Mary Jane Watson, en la primera entrega de Spider-Man. Papel que repetiría en el 2004 para la segunda entrega y en el 2007 para la tercera.

En su filmografía hay que destacar trabajos como los que realizó en Mona Lisa Smile (La Sonrisa de Mona Lisa), Wimbledon, Elizabethtown y su reencuentro con Sofia Coppola en Marie Antoinette.

Luego siguieron filmes como Be Kind Rewind (en un elenco encabezado por Jack Black)y How to Lose Friends & Alienate People.

Sus próximas participaciones en la pantalla grande serán en las películas All Good Things (dirigida por Andrew Jarecki) y Upside Down (dirigida por Juan Diego Solanas).

Sergio Leone, el mítico realizador de los western spaghetti

Nació en Roma en 1929. Su padre, Vicenzo Leone fue director de cine y él siguió sus pasos en la industria . En sus inicios, se desempeñó como actor y también como asistente de director. En Ladri di biciclette (El Ladrón de Bicicletas, 1948) hizo su primera participación en cine y trabajó con Vittorio de Sica. Luego participó en algunas superproducciones de Hollywood que se filmaron en Europa. Entre ellas se destacan: Quo Vadis (1951) de Mervyn Le Roy, Helen of Troy (Helena de Troya, 1955) de Robert Wise y Ben Hur (1959) de William Wyler.

En 1960 estrenó su primer película El Coloso de Rodas (Il Colosso di Rodi). Sustituyó también a algunos directores y fue el director de algunas partes de Gli Ultimi giorni di Pompei (Los últimos días de Pompeya, 1959) y Sodom and Gomorrah (Sodoma y Gomorra, 1962).


Luego vendrían sus tres más famosas películas sobre vaqueros. La llamada Trilogía del dólar. Per un pugno di dollari (Por un puñado de dólares 1964), Per qualche dollaro in più (Por unos dólares más , 1965) y Il Buono, il brutto, il cattivo (
El Bueno, el Malo y el Feo,1966). Estos tres filmes convirtieron a Leone en el máximo exponente del western spaghetti, un derivado del western.

El nombre de este subgénero surgió porque estas películas ambientadas en el Lejano Oeste eran producidas y filmadas en Italia y España. Muchas de ellas, en el desierto de Tabernas, en Almería. El término "spaghetti" fue utilizado por los críticos de forma totalmente despectiva. Con el tiempo esa palabra pasó a ser el rótulo de estos westerns tan distintos a los conocidos hasta entonces.

Un western spaghetti se caracteriza por personajes principales ambiguos. Todos se manejan por fuera de la ley y no parecen tener moral. Realizan actos nobles o desleales de acuerdo a sus intereses personales. Esto constituye un claro contraste con los westerns clásicos en el que no podían dejar de aparecer el sheriff recio pero bondadoso y el bandido desafiante y peligroso.

Otra gran diferencia es el aspecto físico de los personajes. En especial los marginales. Se los ve con la piel agrietada por el sol del desierto, los labios totalmente secos y cortados. Sin uñas o con uñas negras, los dedos lastimados y la ropa sucia. Dan una imagen repugnante pero a la vez con un estilo único. Completamente opuesto del clásico sheriff inmaculado del western clásico.

Para la primer parte de la trilogía, Leone le otorgó el papel principal a James Coburn, pero este lo rechazó. En su lugar, el director convocó a un desconocido. Un tal Clint Eastwood. El actor pasó a ser famoso luego de este film para el cual debió comprar su propio vestuario. Sí, ese poncho que llevó en toda la trilogía lo tuvo que pagar de su propio bolsillo. Pero resultó ser una inversión. La trilogía lo hizo embolsar unos 270.000 dólares, algo más que un puñado de dólares.

En los tres films, el director italiano contó con la colaboración del compositor Ennio Morricone quien era amigo suyo de la infancia. La música resultó magnífica, en especial la de El Bueno, el Malo y el Feo, a tal punto que pasó a ser una de las bandas de sonido más importantes de la historia del cine.

En la tercera parte de la trilogía y tal vez la mejor, Leone convocó a Lee Van Cleef, que ya había participado en la segunda y a Eli Wallach. La escena en que estos dos se baten en un duelo a tres con Clint Eastwood es memorable. La edición es simplemente espectacular. Ojos relojeando y dedos presurosos se intercalan cada vez más rápido y cada vez más cerca con la brillante composición de Morricone marcando los tiempos hasta el instante cúlmine.


Luego de la trilogía hizo otro western. En 1968 filmó C'era una volta il West (Erase Una Vez El Oeste). Pasado un tiempo volvió un poco a la fuerza al cine para presentar Duck, You Sucker (Agáchate, maldito, 1972) que no tuvo mucho éxito.

Su último film, y para muchos el mejor, fue Once Upon a Time in America (Erase una vez en America, 1984) en la que dirigió nada menos que a Robert De Niro. El film sigue algunas líneas del western aunque está ambientado en la década del 30 y trata sobre gángsters. El film original es larguísimo. Cerca de cuatro horas. Pero en Estados Unidos fue cortado y alterado para dejarlo en 139 minutos.

Este genial director italiano falleció el 30 de abril de 1989. Estaba preparando un nuevo film y pensaba retomar más adelante los westerns. Filmó pocas películas a lo largo de su carrera pero nos dejó verdaderas joyas. Sin ningún lugar a dudas, Sergio Leone marcó una huella en la historia del cine.

Trailers de la Trilogía del Dólar en YouTube
Por un puñado de dólares
Por unos dólares más
El Bueno, el Malo y el Feo

martes, 29 de abril de 2008

Arde El Cielo lo nuevo de Maná

El grupo mexicano Maná está presentando nuevo disco, el nombre elegido es Arde El Cielo y contiene el promocionado éxito Si no te hubieras ido.

Maná es un conjunto con una basta y sólida trayectoria, llena de éxitos. Aparece en México en la década del ochenta, logrando una repercusión a nivel internacional pisando la década del noventa con su disco Falta amor y el sensacional éxito del tema Rayando el Sol.

En 1992 sale a al luz ¿Dónde jugarán los niños? con canciones que lograrían hacerse himnos de sus fans: Oye mi amor, Vivir sin aire, Cachito y De pies a cabeza.

En 1994 editan Maná en vivo, con grabaciones realizadas en directo en su gira por Europa y América.

1995 llega con un nuevo suceso. El disco lleva por nombre Cuando los ángeles lloran y contiene el exitoso tema No ha parado de llover. Ese mismo año participan en el tributo a Led Zeppelin con el tema Tonto bajo la lluvia (Fool in the rain).

Sueños líquidos sale en 1997 incluyendo temas como En el muelle de San Blas y Cómo te extraño corazón.

En 1999 aparece un excelente trabajo en vivo llamado Maná MTV Unplugged, donde además de sus éxitos se incluyen versiones de los temas Desapariciones (de Rubén Blades) y Te solté la rienda (de José Alfredo Jiménez). Ese mismo año se edita el álbum de Carlos Santana, titulado Supernatural, donde se encuentra una importante colaboración de Maná en el tema Corazón Espinado.

De la mano de Mariposa traicionera y Eres mi religión, en el año 2002, el disco Revolución de amor vuelve a ponerlos en primera plana. En 2006 aparece Amar es combatir, que incluye el exitoso Labios compartidos.

El 2008 nos trae una nueva y esperada producción del grupo mexicano. Hoy 29 de Abril está en la calle el disco Arde El Cielo.

Este trabajo se distribuye en formato CD, pero también se puede conseguir el CD junto a un DVD. Cuenta con tomas en vivo y con las novedades del mencionado éxito, Si no te hubieras ido y el tema que le da nombre a la placa, Arde el cielo.

El listado de temas incluye el CD es el siguiente: Déjame entrar - Manda una señal - Labios compartidos - Bendita tu luz - Vivir sin aire - Donde jugarán los niños - Mariposa traicionera - El Rey - No ha parado de llover - En el muelle de San Blas - Clavado en un bar - Rayando el sol - Si no te hubieras ido - Arde el cielo.

El corte que ya venía circulando por las principales radios, como no podía ser de otra manera, es Si no te hubieras ido, un famoso éxito de Marco Antonio Solís:

Te extraño más que nunca y no sé que hacer.
Despierto y te recuerdo al amanecer.
Me espera otro día por vivir sin ti.
El espejo no miente, me veo tan diferente.
Me haces falta tú.

La gente pasa y pasa siempre tan igual.
El ritmo de la vida me parece mal
Era tan diferente cuando estabas tú,
sí que era diferente cuando estabas tú.

No hay nada más difícil que vivir sin ti, no.
Sufriendo en la espera de verte llegar.
El frío de mi cuerpo pregunta por ti
y no sé dónde estás.
Si no te hubieras ido sería tan feliz

La gente pasa y pasa siempre tan igual.
El ritmo de la vida me parece mal
Era tan diferente cuando estabas tú,
sí que era diferente cuando estabas tú.

No hay nada más difícil que vivir sin ti, no.
Sufriendo en la espera de verte llegar.
El frío de mi cuerpo pregunta por ti
y no sé dónde estás.Si no te hubieras ido sería tan feliz.

Para más información sobre esta producción y escuchar algunos de los temas, se puede ingresar al sitio oficial de Maná: http://www.mana.com.mx/

Uma Thurman, la elegida de Tarantino

Uma Thurman ya tenía una carrera antes de cruzarse con Quentin Tarantino. Había trabajado en películas como Dangerous Liaisons, Henry & June (sobre la vida de Herny Miller), Final Analysis y Jennifer Eight, entre otras producciones. Sin embargo, al ponerse bajo las ordenes de Tarantino se transformó en algo más. Su papel de Mia Wallace en Pulp Fiction la transformó en un icono del cine. En esta película será recordada por las memorables escenas junto a John Travolta, con diálogos jugosos y una competencia de baile a la medida de ambos.

Si bien su carrera no debiera resumirse solamente en las participaciones junto a Tarantino, es demasiado explosiva la química que producen, para poder hacer la vista a un lado. Casi una década después del éxito de Pulp Fiction, sería el papel de La Novia en Kill Bill: Vol. 1 y Kill Bill: Vol. 2, que dejaría al público de todo el mundo rendido a sus pies.

Es demasiado potente su imagen en la pantalla para pasar desapercibida. Sin dudas tiene ese fuego especial que la hace única. Uma Thurman es una de esas actrices que toma un papel y lo hace grande ¿Alguien imagina otra cara en el cuerpo de Mia Wallace?.La respuesta no resiste ningún análisis, Uma Thurman se lleva todos los elogios, agigantando su imagen de estrella y convirtiéndose en icono del cine.

Entre sus relaciones se destacan dos romances que terminaron en casamiento y luego en separación, primero con Gary Oldman (en 1990) y luego con Ethan Hawke (en 1998).

Lo próximo que veremos de Uma Thurman, quien hoy está cumpliendo 38 años, viene de la mano del director Griffin Dunne: The Accidental Husband. Estrenada en Febrero de este año en Inglaterra, esperada para Agosto en Estados Unidos y con fechas a confirmar en América Latina.

lunes, 28 de abril de 2008

Penélope Cruz, belleza sin fronteras

Nació en Madrid, España, hace 34 años. Pero su fama y belleza ya han superado todas las fronteras, convirtiéndose en una figura internacional.

Se puede decir de ella que es una Chica Almodovar, pero también que ha triunfado en Hollywood. Lució desde muy joven en producciones como Jamón, jamón de Bigas Luna y Belle Epoque, de Fernando Trueba.

Entre sus trabajos con Pedro Almodovar, se pueden destacar películas de la talla de Carne trémula y Todo sobre mi madre. También fue parte de la película de Alejandro Amenábar, Abre los ojos.

Ya en Estados Unidos trabajaría en Woman on Top (Las mujeres arriba) y Blow, junto a Johnny Depp.

Luego llegaría el momento de Vanilla Sky, donde compartiría el set con Tom Cruise, actor con el cual mantendría una importante relación sentimental.

Su carrera en Hollywood tendría varias producciones más, sin embargo el reconocimiento le llegaría al encontrarse nuevamente con Pedro Almodovar. El filme en cuestión se estrenó en 2006 y llevó por nombre Volver. Para esta realización, Penélope Cruz se puso bajo la piel de Raimunda. Su trabajo le valió los aplausos del público y la aprobación de la prensa mundial. Por este rol, Penélope tuvo el orgullo de ser nominada al Oscar a la mejor actriz protagónica.

Sin lugar a dudas, Penélope es una mujer llena de proyectos, este año se la verá junto a Scarlett Johansson y Javier Bardem, en la película de Woody Allen, llamada Vicky Cristina Barcelona.

Entre otros de sus proyectos, esta el eterno reencuentro con Pedro Almodovar, en esta oportunidad para protagonizar Los abrazos rotos.

También se encuentra en desarrollo el filme en el cual trabajará junto a Nicolas Cage, que llevará por nombre G-Force.

Jessica Alba, los 27 años de una de las mujeres más deseadas del planeta

Jessica Alba suele estar en cada una de las listas que menciona a las mujeres más bellas del planeta. Su nombre es uno de los más buscados en internet y su imagen recorre el mundo, a la velocidad de la luz, una y otra vez.

Esta mujer, que hoy cumple 27 años, cuenta con una belleza particular. Con aire latino y algo europeo (es descendiente de mexicanos y daneses) sabe como impactar en la platea masculina. Sin dudas, los años la han transformado en una de las damas que concentra mayor cantidad de miradas por por parte de los hombres.

Hizo su primer papel, siendo muy joven, en la película Camp Nowhere. Corría el año 1994. Luego tendría varias participaciones en series de TV como The Secret World of Alex Mack, Chicago Hope, Flipper y Beverly Hills 90210, entre otras.

Su gran momento llegaría en el año 2000, de la mano de James Cameron, con la serie Dark Angel. En estar serie, que estaría en el aire hasta el 2002, Jessica encarna a Max Guevera. Esta producción logró un importante éxito, brindándole a la actriz, un gran reconocimiento por parte del público.

Entre sus siguiente papeles, se destacó su rol como Nancy Callahan, en la película de Frank Miller y Robert Rodriguez, Sin City, estrenada en el 2005. Ese mismo año llegaría otro suceso de público, con la adaptación cinematográfica de Los 4 Fantásticos (Fantastic Four). En este filme, Jessica interpreta a Sue Storm, la mujer invisible. Este papel lo volvería a repetir dos años después, en la segunda entrega llamada 4: Rise of the Silver Surfer.

Su carrera cuenta con varias producciones y muchos proyectos. Para mayo de este año se espera el estreno en Argentina de la película Awake (Despierto), en la cual trabaja junto a Hayden Christensen.

Pensando en lo que viene, se encuentra el proyecto que la volverá a poner en la piel de Nancy Callahan. Se habla de que la segunda parte de Sin City podría estar lista para su estreno en 2009 o 2010.

domingo, 27 de abril de 2008

Nuevo aniversario de la desaparición del autor de El Eternauta

Héctor Germán Oesterheld fue uno de los grandes pilares de la historieta argentina. Creó personajes emblemáticos y contribuyó a impulsar el género en el país. También escribió cuentos y novelas hasta que fue secuestrado en 1977 por la dictadura militar. Hoy, se cumplen 31 años de su desaparición.

Nació un 23 de julio de 1919 en la Ciudad de Buenos Aires. En la universidad, se volcó al estudio de la geología. Se recibió de licenciado y llegó a dedicarse a esa profesión durante un tiempo. Sin embargo, fue la escritura su gran pasión. A tal punto, que decidió abandonar su profesión para dedicarse de lleno a escribir.

Comenzó escribiendo cuentos para niños y artículos de divulgación científica. Sus primeros guiones para historieta fueron para la revista Cinemisterio donde trabajó con el italiano Hugo Pratt, creador de Corto Maltés. Dio vida a Bull Rocket con dibujos de Paul Campani. Se trataba de un piloto de pruebas y fue el primer personaje de Oesterheld que se destacó.

Luego vino Sargento Kirk, con dibujos de Hugo Pratt. Con ambiente de western, Kirk es un desertor del Ejército Estadounidense que se aleja de la guerra luego de ser forzado a participar en una masacre.

En 1957 fundó, junto a su hermano, Editorial Frontera, la cual publicaría las revistas Hora Cero y Frontera. Debido al éxito luego vendrían expansiones de estas revistas.

Creó luego a Ernie Pike, un cronista que relata historias de la Segunda Guerra Mundial. El personaje tuvo éxito y llegó a tener sus propias revistas.

Junto al gran maestro Alberto Breccia, le dio vida a Sherlock Time. Luego colaboró con Francisco Solano López en la creación de Joe Zonda y Rolo, el marciano adoptivo. Con Pratt, también creó Ticonderoga.

Pero sin duda alguna, el personaje más emblemático de Oesterheld fue El Eternauta. Este ícono de la cultura argentina contó con los dibujos de Francisco Solano López y apareció por primera vez un 4 de septiembre de 1957 en la revista Hora Cero Semanal.

El Eternauta cuenta la historia de una invasión extraterrestre. Los personajes principales son tan argentinos que cuando la invasión comienza, los sorprende jugando un partido de truco. Buenos Aires y sus alrededores se convierten en el escenario principal de esta fascinante historia de supervivencia.

El protagonista es Juan Salvo, que se le aparece en su estudio al mismo Oesterheld, que se convierte en personaje. Salvo le relata la catástrofe que ocurrirá en un futuro próximo cuando los extraterrestres avancen sobre La Tierra.

Esta historia ha dejado imágenes imborrables en el recuerdo de todos los que lo han leído. La nieve tóxica, la primer salida a la calle con el traje de buzo y el fusil al hombro. También los personajes son inolvidables: el propio Juan Salvo y sus mayores amores, Elena, su esposa, y Martita, su pequeña hija. Sin dejar afuera a los amigos y compañeros de batalla, Favalli, Lucas, Polsky y Franco.

Luego de El Eternauta, muchos dibujantes abandonaron Frontera tentados desde Europa. Allí les ofrecían mejores contratos. La editorial se fue derrumbando económicamente hasta llegar a la quiebra.

A pesar de este hecho, Oesterheld continuó trabajando para otras editoriales. Volvió a juntarse con Breccia para darle vida a Mort Cinder, el hombre eterno. Un ser que cada vez que muere, resucita. Sus historias se basan en las vivencias de este personaje, testigo de grandes momentos de la humanidad.

En los años siguientes, las obras de Oesterheld comenzaron a tratar cada vez más temas políticos. Realizó una adaptación a historieta sobre la vida del Che Guevara. Esta obra fue censurada por la dictadura de Juan Carlos Onganía.

En 1969, con Breccia, realizó una nueva versión de El Eternauta, para la revista Gente. El guión fue alterado y había en él muchas alusiones políticas. La obra fue cancelada y se debió resumir la trama para que no quedara inconclusa.

Entrados los setenta, Oesterheld ya era militante de la agrupación Montoneros. Con él participaban también sus hijas. En 1976 se reunió otra vez con Solano López para realizar la segunda parte de El Eternauta. Oesterheld insistía en darle un tinte político a la historia. Solano López no estuvo de acuerdo con gran parte del proyecto.

El 27 de abril de 1977 Héctor Germán Oesterheld fue secuestrado por la dictadura militar en la ciudad de La Plata. Pasó a convertirse en uno más de los 30.000 desaparecidos. Junto a él, desaparecieron sus cuatro hijas, sus yernos y sus nietos.

El año pasado, en conmemoración del 30º aniversario de su desaparición, se repartieron en distintas escuelas de educación media el libro 50/30: 50 años con El Eternauta, 30 años sin Oesterheld. Un homenaje merecido. Tal vez es hora de que en las escuelas argentinas se reemplacen algunos libros clásicos de literatura que aburren a los jóvenes por libros como El Eternauta, que pueden despertar mayor interés en la cultura.

También el año pasado fue recordado en aquel inolvidable 9 de julio en que la nieve cubrió Buenos Aires. Muchos recordaron el inicio de El Eternauta, con la temible nieve tóxica. La tapa del diario Página/12 fue un excelente homenaje.

La obra de este genial guionista aún sigue vigente. De su cabeza brotaron innumerables personajes. De todos ellos, El Eternauta se destacó por sobre los otros. Al igual que su personaje más famoso, Oesterheld también trascendió mucho más allá del tiempo.

sábado, 26 de abril de 2008

Diseño y moda, el estilo que enamora

Hablar de diseño y moda, nos conduce a una combinación de imágenes y sensaciones. En este sentido, la vista se conecta con la piel, para brindar una experiencia reveladora.

La elegancia de una prenda puede conjugarse perfectamente con la comodidad. La ropa puede enamorar al cuerpo con solo tocarlo, con su textura y suavidad.

El estilo vive en cada uno de los detalles. La aceptación o el rechazo popular decidirá si ese estilo se impone, transformándose en moda o si se desvanece, como una idea que pasó.

El estilo romántico es una alternativa muy apropiada para mujeres, que le abren la puerta a sus sueños y se animan a desplegar sus alas para volar.

La universalidad de la moda y la eterna búsqueda en este ámbito, sorprende y maravilla al mundo cada día, logrando imponer nuevos estilos cada temporada.

Imagen e inspiración Tia Bones Tejido Atesanal, el estilo que enamora.

viernes, 25 de abril de 2008

AL PACINO, un actor con mayúsculas

Al PacinoEste hombre que nació el 25 de Abril de 1940, en Nueva York, es un actor de raza. Su nombre completo es Alfredo James Pacino, pero los títulos en la pantalla grande lo han inmortalizado como Al Pacino.

Su carrera es tan descomunal que se necesitarían varios libros para apuntar tantos éxitos. Su debut en la pantalla grande fue hacia fines de la década del sesenta.

Su primer gran papel fue para uno de los personajes más importante de su carrera: Michael Corleone. La película llevó por nombre The Godfather (El Padrino) y se estrenó en 1972. La cinta fue dirigida por Francis Ford Coppola, sobre una novela de Mario Puzo. En este filme, Marlon Brando interpretó al ya mítico Don Vito Corleone. La película se llevó tres premios Oscar y varias nominaciones, entre la que se destaca la de Pacino como actor de reparto. De más está decir, que esta película es para muchos, uno de los mejores trabajos cinematográficos de todos los tiempos.

El año siguiente protagoniza la película Serpico, por la cual recibe una nominación al Oscar por su labor como actor protagónico.

En 1974 se estrena The Godfather: Part II (El Padrino: Segunda Parte). Nuevamente en el papel de Michael Corleone, pero esta vez como protagonista fundamental de la trama. Nuevamente es nominado para el Oscar como actor protagónico.

En una carrera que parece no tener puntos bajos, al año siguiente, protagoniza Dog Day Afternoon (Tarde de Perros). Otra nominación para los premios Oscar se suma a la carrera de Pacino.

Su siguiente gran papel sería el de Tony Montana, en la recordada película de Brian De Palma: Scarface. En este filme también sería de la partida, la bella Michelle Pfeiffer.

En los años siguientes de la década del ochenta, Pacino le dedicaría mayor tiempo al teatro y a alguna película en la pantalla grande, sin el éxito de sus anteriores papeles.

La década del noventa llegaría con la tercera parte de El Padrino (The Godfather: Part III). Nuevamente el personaje de Michael Corleone se cruza por la vida de Pacino. Ese año también haría un papel en la película Dick Tracy, por el cual sería nominado como actor de reparto para el Oscar.

En 1991 volvería a actuar con Michelle Pfeiffer, esta vez en la cinta Frankie & Johnny.

En el año 1992 se estrenaría el remake de Scent of a Woman (Perfume de Mujer), película en la cual Pacino se daría el gusto de bailar tango, encarnando al Coronel Frank Slade, papel por el cual ganaría el Oscar al mejor actor. Cabe recordar que la película original fue estrenada en 1974, llevó por nombre Profumo di Donna y Vittorio Gassman interpretó el papel que luego sería de Pacino.

Los noventa serían muy prolíficos para el actor, con películas como Carlito's Way, Heat (con Robert De Niro), Donnie Brasco, The Devil's Advocate y The Insider, entre otras.

Entrado el nuevo milenio, trabajó en producciones de la talla de Insomnia, S1m0ne, The Merchant of Venice, 88 Minutes y Ocean's Thirteen.

En el 2008 se estrenó Righteous Kill , pelicula que protagonizó junto a otro grande, como Robert De Niro.

Pacino sigue alimentado su fama y es hoy en día, uno de los actores más prestigiosos de su generación y una verdadera estrella del séptimo arte.

jueves, 24 de abril de 2008

Los robots de Asimov

Isaac Asimov fue un prolífico autor de ciencia ficción. Para muchos, el mejor de todos los tiempos. En sus obras abordó todos los temas vinculados con el género: sociedades futuristas, expediciones intergalácticas, existencia de vida inteligente en otros mundos y viajes a través del tiempo, entre otros. Pero fue la inteligencia artificial la que más fascinó a este escritor norteamericano de origen soviético. Así, imaginó dos grandes grupos: las supercomputadoras y los robots. En los relatos, ambos se comportan de igual manera mostrándonos que su funcionamiento interno es similiar. Los robots tienen la ventaja de poder realizar en forma más óptima tareas físicas parecidas a las de los humanos, pero carecen de la sabiduría todopoderosa con que Asimov describe a las supercomputadoras, capaces de procesar millones de variables en microsegundos y responder cualquier pregunta siendo su gran desventaja el enorme espacio que ocupan y su imposibilidad de movimiento. En este artículo nos vamos a detener en los cuentos de robots, dejando a las supercomputadoras para otra ocasión.

En sus relatos sobre autómatas, Asimov describe a la mayoría con forma humana, con cuerpo de metal y con un cerebro positrónico. Esta última palabra es invención de él y fue usada posteriormente por otros autores de ciencia ficción e incluso en series de televisión como Viaje a las Estrellas. No queda en claro cómo funciona el cerebro positrónico, pero es justamente esa la parte fantástica en los relatos de robots. Ese cerebro es la clave del comportamiento de los androides y es siempre alguna falla o alguna anomalía en él lo que le permite a cada uno de sus personajes robots ser tan especial y único.

Una de las ideas más brillantes de Asimov fue la invención de las Tres Leyes de la Robótica que constituyen un marco legal para las acciones del robot. La primera ley dice que un robot no debe dañar a un humano ni permitir por inacción que un humano sufra daños. La segunda ley, que los robots deben obedecer todas las órdenes de los humanos siempre que dicha orden no entre en conflicto con la primera ley. Y la tercera, que dice que los robots deben cuidar su integridad física excepto cuando entren en conflicto la primera y segunda ley. En base a estas tres leyes, Asimov construye un universo de alternativas. Porque siempre existe alguna manera de saltearse por alto alguna o esquivar soslayadamente otra, pero nunca violarlas.

Con un cerebro tan complejo, reparar los robots no parece ser trabajo para un mecánico o un ingeniero, es por eso que Asimov nos muestra un futuro con una nueva especialización profesional: la robopsicología. Allí, se describe una ciencia que combina los análisis técnicos propios de la electrónica y los métodos de la psicología. Asimov convierte a una mujer en la especialista número uno en robopsicología: la doctora Susan Calvin, quien es el personaje principal humano, en la mayoría de sus relatos cortos sobre robots.

En cada uno de sus cuentos, este autor pone por lo general a un único robot en primer plano que interactúa con humanos y con otros robots. Es el caso, por ejemplo, de Robbie. Este relato cuenta la historia de una niña, Gloria, cuyos padres le regalan un robot a quien ella bautiza Robbie. Este androide, de gran estatura y enorme peso se convierte en niñera y compañero de juegos de la niña. Pero al observar que Gloria ya no juega con otros niños de su edad y solo pasa el tiempo con Robbie, su padre decide regalarlo. La niña descubre que su amigo no está más y rompe en llanto hasta conmover a su padre. Finalmente deciden salir a buscarlo con la esperanza de encontrarlo. Asimov da una muestra muy efectiva de como los robots pueden llegar a reemplazar a las mascotas en el futuro ya que Robbie podría haberse tratado de un perro.

Otros cuentos se desarrollan por ejemplo en el ámbito científico de la fábrica de robots, en alguna base espacial o hasta en una universidad como en Corrector de Galeradas (Galley Slave) que cuenta la historia de un robot diseñado para corregir faltas de ortografía y de redaccón.
Algunos cuentos rozan la comedia como por ejemplo ¡Mentiroso! (Liar!) en el que el robot RB-34 apodado Herbie puede leer la mente de los científicos y científicas que lo estudian como así también descubrir los sentimientos que algunos de ellos sienten por otros. Los enredos llegan cuando al entablar conversación, Herbie le miente a la Dra. Calvin contándole que uno de sus colegas está perdidamente enamorado de ella. Es debido a la Primera Ley de la Robótica que el robot se ve obligado a mentirle a la Dra. Calvin para no herir sus sentimientos ya que ella sí siente algo profundo por su colega y enterarse de lo contrario la sumiría en la tristeza.

La lógica forma parte siempre en estos relatos, pero seguramente se potencia en cuentos como El Pequeño Robot Perdido (Little Lost Robot) en el que la Dra. Calvin debe encontrar a un robot NS-2, apodado Nestor 10, que no tiene incorporada en su cerebro positrónico la Primera Ley. Lo más llamativo, es que el robot perdido está a la vista de todos, mezclado con otros sesenta y dos exactamente iguales a él físicamente. ¿Cómo saber cuál es Nestor 10? Los robots son sometidos a distintas pruebas para ir descartando candidatos. Los especialistas descubren que Nestor 10 persuade y manipula al resto para lograr invalidar las pruebas y seguir oculto. Un cuento que juega muy bien con las Leyes de la Robótica es El Círculo Vicioso en el que aparecen Donovan y Powell, dúo de personajes. En esta historia deben descubrir qué es lo que hace que un robot SPD-13, apodado Speedy, se mantenga en un bucle infinito y deben buscar la manera de destrabarlo. Y en la misma senda lógica, aparece el cuento Reflejo Simétrico con el investigador Elijah Baley y su ayudante R. Daneel Olivaw (la R es de robot), legendarios personajes de Asimov, intentando desentrañar la verdad en un caso en que dos científicos, uno ya consagrado y otro principiante pelean por la autoría de una nueva teoría.

Llama poderosamente la atención que los robots de Asimov no son agresivos ni violentos como estamos acostumbrados a verlos en el cine. Sin embargo, en algunos relatos, Asimov alerta sobre la posibilidad de que algunos robots desobedezcan las órdenes de las personas y logren su libertad y total autonomía. Es el caso de Sueños de Robot (Robot Dreams), en el que la Dra. Calvin debe investigar las anomalías del robot Elvex que dice tener sueños. En otros cuentos, los robots se vuelven peligrosos, como por ejemplo en Algún Día (Someday), cuyo final es un poco aterrador. Sally, es otro relato en el que los robots, en este caso con forma de automóvil al igual que el Auto Fantástico (Knight Rider), comienzan buenos y sumisos y terminan transmitiendo temor.
En algún aspecto similar a lo anterior se encuentra el robot QT1, apodado Cutie, del cuento Razón (Reason) cuya mentalidad es tan superior, que decide desobedecer las órdenes de los humanos y formar su propia religión convenciendo a otro grupo de robots a seguirlo.

Acercándonos al campo humano, podemos citar el título Lenny que es el caso de un robot diseñado para trabajar en una mina espacial y que por un accidente en su fabricación, pierde todas sus funciones superiores convirtiéndose en un bebé de media tonelada. Otro es Intuición Femenina (Feminine Intuition), en el que se diseña un robot físicamente con forma de mujer y cuyo cerebro positrónico tiene además una distinción, la intuición. El robot falla y produce un accidente y solo una verdadera mujer (la Dra. Calvin cuándo no) haciendo uso de su natural intuición femenina podrá descubrir por qué fracasó.

Y llegando al final, el cuento más popular de Isaac Asimov: El Hombre Bicentenario (Bicentennial Man). Cuenta el mismo Asimov en alguno de sus libros que corría el año 1976 en el que Estados Unidos celebraba sus 200 años de independencia. Así que le propusieron lo siguiente: "Nosotros le damos un título relacionado con el tema y usted escribe un cuento". El título que le asignaron fue "El Hombre Bicentenario". Enseguida, Asimov pensó que un hombre no podía vivir 200 años. Pero un robot sí. Y se imaginó a un robot cuyo objetivo máximo fuera convertirse en hombre. En el relato, cuenta la historia de un metálico robot de la serie NDR que llega a vivir a la casa de la familia Martin para ayudar en las tareas del hogar. Lo bautizan Andrew y pronto comienza a formar parte de la familia. Con el tiempo aprende habilidades manuales propias de un artesano. Asimila conocimientos y empieza a desenvolverse como un integrante más de la familia.

Comienza a ganar dinero y a difundir su trabajo. Tiempo después se independiza y busca la manera de cambiar su apariencia para parecerse más a los humanos. Pasan muchos años y ya convertido en una cyborg, físicamente y por dentro igual a todos los humanos, decide luchar por el derecho a ser reconocido como ser humano. Por dentro, Andrew sabe que la única forma de recibir ese reconocimiento es renunciando a su inmortalidad como robot. Así transcurren 200 años y Andrew pasa a ser una personalidad en el mundo y es descrito en el cuento como si fuera un hombre del renacimiento, interesado por las artes y la ciencia. En este cuento largo, Asimov aborda un tema muy profundo. ¿Qué es ser humano? ¿Qué es lo que nos define como seres humanos? Preguntas similares a las que se plantean en la película Blade Runner dirigida por Ridley Scott y basada en un cuento de Philip K. Dick.

El Hombre Bicentenario tuvo su adaptación cinematográfica pero fue una mirada demasiado escueta y superficial a la obra de Asimov y hecha con el único fin del aprovechamiento comercial.Los robots de Asimov pueden ser apáticos o simpáticos, fríos o emocionales, inteligentes o no tanto, inofensivos casi siempre aunque a veces potencialmente peligrosos, pero lo que seguro proporcionan son muchas horas de sana lectura y fascinación en un mundo imaginario que tal vez en un futuro no muy lejano se convierta en realidad.

Ver también: Lágrimas de robot. A 16 años de la muerte de Isaac Asimov

Texto gentileza de Tury para el Blog de Más que palabras

miércoles, 23 de abril de 2008

Christian Bale, actor todo terreno

Christian Bale es, sin dudas, uno de los actores del momento. Para reafirmar esta condición, el inminente lanzamiento de The Dark Knight (el 17 de Julio en Argentina), lo vuelve a poner en primera plana, nuevamente con el traje de Batman. En esta nueva aventura, deberá enfrentar al Guasón, The Joker, interpretado por el desaparecido Heath Ledger.

Desde muy pequeño comenzó a actuar en teatro y TV, hasta que le llegara una gran oportunidad en el cine. La película sería Empire of the Sun (El Imperio del Sol), basada en una novela de J.G. Ballard y dirigida por el genial Steven Spielberg.

Su carrera seguiría en cine y algunas participaciones en televisión, hasta que en el año 2000 se estrena una de las películas más relevantes de su filmografía: American Psycho (Psicopata Americano). En este filme, Bale interpreta a Patrick Bateman, un personaje sumamente complejo, papel que le valió un gran reconocimiento.

Luego haría diversas producciones como Reign of Fire (Reino de Fuego), Equilibrium y The Machinist (El Maquinista), entre otras.

En el año 2005 sale a la luz Batman Begins (Batman Inicia). De la mano de Christopher Nolan, Christian Bale se pone por primera vez bajo la piel de Bruce Wayne y se prueba el traje del atormentado héroe.

Christian no para de trabajar y últimamente se lo ha visto en películas como The Prestige (con Hugh Jackman, Scarlett Johansson y David Bowie) y 3:10 to Yuma (con Russell Crowe).

Para quienes disfrutan de las películas de Gangsters, podrán ver el año que viene a Christian Bale en el papel del Agente Melvin Purvis. La película se llamará Public Enemies (Enemigos Públicos) y contará con la actuación de Johnny Depp, en el rol de John Dillinger.

También para 2009, se espera la cuarta parte de Terminator. Christian Bale fue convocado para encarnar, nada menos que a John Connor.

La comunidad GNU/Linux espera la salida del nuevo Ubuntu 8.04 Hardy Heron

Si aún eres de aquellos que no han oído hablar del proyecto GNU y Linux, te contamos que es un conjunto que incluye una multitud de programas y sistemas operativos libres que brindan funcionalidad al usuario e incorporan modernas interfaces gráficas. El hecho de ser libre no implica precisamente que sean gratuitos, aunque la mayoría de las distribuciones de GNU/Linux sí lo son.

Hay distintos tipos de sistemas operativos basados en GNU/Linux. Cada uno presenta una configuración adecuada al perfil del usuario. Para un usuario que aún no ha entrado en contacto con estos tipos de sistemas, o incluso desconoce aspectos básicos de informática, es sin duda Ubuntu (o su variación, Kubuntu) un buen punto de partida. Es el sistema operativo basado en GNU/Linux que más ha crecido en los últimos años. Su interfaz gráfica amigable, su configurabilidad y el hecho de ser totalmente gratuito lo han catapultado a la cima en el mundo del software libre.

Los que vienen de sistemas como Microsoft Windows siempre tendrán una inquietud. ¿Sirven los programas de Windows en Ubuntu o en GNU/Linux en general? La respuesta es no. Eso no quiere decir que no existan otros programas en GNU/Linux que realicen la misma tarea. Incluso, en muchos casos, hay versiones de un mismo programa para ambos sistemas como es el caso del Mozilla Firefox que es idéntico tanto en Windows como en GNU/Linux.

Ubuntu incorpora la suite de oficina Open Office que incluye un procesador de textos estilo Word, una planilla de cálculo estilo Excel, un diseñador de presentaciones estilo Power Point y un programa de bases de datos como el Access. Además, cuenta con el navegador web Mozilla Firefox y un lector de correo. También trae un reproductor de audio y de video que soportan todos los formatos populares. Además, posee un repositorio de programas que es una especie de base de datos en internet con multitud de software listo para descargarse e instalarse automáticamente. Todo esto, de forma gratuita.

El jueves 24 de abril saldrá la versión definitiva del nuevo Ubuntu. Esta nueva versión es la 8.04 y es conocida como Hardy Heron. No se esperan cambios drásticos en relación con la versión anterior, Ubuntu Gutsy Gibbon 7.10, pero cada nuevo lanzamiento incorpora mejoras, algunas perceptibles para el usuario promedio y otras no tanto. Esta nueva versión, al igual que las otras puede descargarse de internet o se pueden encargar CDs o DVDs desde la web oficial. Esto último es, también, en forma completamente gratuita.

Ubuntu es ideal para estudiantes, personas sin conocimientos de informática o de la tercera edad. Paro también para usuarios avanzados, profesionales, pequeñas y grandes empresas. En síntesis, para cualquier persona o comunidad que necesite utilizar una computadora personal para llevar a cabo sus actividades.

En próximos artículos hablaremos un poco más sobre Ubuntu y el mundo del software libre.

Algunos enlaces interesantes para conocer más sobre Ubuntu:

Web oficial
Información en Wikipedia
Preguntas ultra frecuentes sobre GNU/Linux
Ubuntu-es
Guía Ubuntu
Ubuntu-ar

Texto gentileza de Tury para el Blog de Más que palabras

martes, 22 de abril de 2008

La evolución de Los Simpson (2da parte)


En el primer artículo hablamos de los personajes principales de la serie, cómo fueron evolucionando desde la primer temporada hasta la última y a qué clases de personas de la sociedad representan. Pero quedaron muchos afuera. En esta segunda entrega seguiremos con algunos y dejaremos a otros para una tercera parte. Empecemos ya mismo.

Krusty
Al principio de la serie, este peculiar payaso era sólo el conductor de televisión que presentaba a Tomy y Daly (Itchy & Scratchy). Era el ídolo de los niños. Hay que decir que aún lo es, pero Krusty trascendió y se convirtió en mucho más. Ahora, además de ser animador de programas para niños, es el típico personaje de TV preocupado más por vender que por entretener sanamente. Es el dueño de toda una gama de productos de pésima calidad incluyendo una cuestionada cadena de locales de comidas rápidas. Krusty representa, según el episodio, a derrochadores, apostadores, empresarios de los medios, amantes de la pornografía, comediantes y actores fracasados. En muchos capítulos, Krusty representa a la comunidad judía.

Barney
En la primer temporada, un rubio Barney Gómez (o Gumble, en la versión original) era uno de los amigos de Homero, pero no tan afín a él. Con el correr de los años se convirtió en el mejor amigo de Homero (junto con Moe) y en un paria. Es un alcohólico marginado de la sociedad. Su ámbito es siempre la taberna de Moe, a quien no siempre le paga por sus consumos. En algunos capítulos muestra su talento artístico, como cuando canta en el cuarteto de Homero, o cuando gana el festival de cine de Springfield. Sin embargo, Barney será siempre el estereotipo del alcohólico, sucio, descuidado, desempleado, impresentable y marginado.

El tipo de los cómics (Comic Book Guy)
En sus primeras apariciones era solamente un vendedor de historietas. El avance de la serie hizo que este personaje desarrollara más facetas. Es el representante de los fanáticos de las historietas, cine, TV, ciencia ficción, internet, juegos de rol y todas aquellas actividades afines. Es el reflejo de las personas que dedican su vida a aquello, que descuidan su figura y que son críticos de los demás. Su aparente misoginia esconde en el fondo una terrible fobia a las mujeres.

Selma
La hermana de Marge era, al principio, igual a su gemela Patty. Pero al poco tiempo empezó a mostrar su faceta más explotada: la de solterona. Selma representa a las mujeres solas y de más de cuarenta cuya máxima urgencia es encontrar al amor de su vida y ser madres. Pero además es el estereotipo del fumador, del burócrata, de la cuñada antipática, de la hermana mayor malvada, y de los parientes insoportables.

Milhouse
Desde siempre fue un nerd. Pero con el tiempo se fue convirtiendo además en un fracasado. Representa al mejor amigo, al niño débil y cobarde, al pretendiente rechazado, al hijo de padres separados y a los cortos de vista. El destino inevitable de Milhouse es convertirse en un gran perdedor, al igual que su padre Kirk.

Nelson Muntz
Es recordado el capítulo en el que golpea a Bart de forma crónica. Finalmente es arrasado por un ejército armado con bombitas de agua. Luego de eso, pasó a ser uno de más del grupo de amigos, aunque cada tanto vuelve a su rol de chico malo. Nelson representa a los niños violentos, abusivos y pobres. A los chicos de la calle y a todos aquellos que no encuentran un contención en sus hogares. También es el reflejo de muchas personas que que poseen en su interior un lado sensible y artístico, pero prefieren ocultarlo a los demás por vergüenza.

Tony, el gordo
Es un gángster de origen italo-americano. Inspirado en películas como El Padrino, Buenos Muchachos y otras del mismo estilo. Tony aparece siempre que hay tráfico de drogas, alcohol, cigarrillos y cualquier otro tipo de mercaderías. Su personaje es la representación del típico capo mafia.

Quedaron algunos en el tintero. Nos ocuparemos de ellos en la tercera parte de la nota. Estarán, entre otros, Rafa Górgori (Ralph Wiggum), Lionel Hutz, Edna Krabappel y Otto.

Texto gentileza de Tury para el Blog de Más que palabras

lunes, 21 de abril de 2008

Iggy Pop, la gran bestia punk

Su nombre real es James Newell Osterberg. Nació en Michigan el 21 de abril de 1947.

El abuelo del punk está cumpliendo 61 años, y mantiene su vigencia, luego de una carrera que ya lo ubica entre los grandes de la música de todos los tiempos.

Iggy Pop sacudió la música de los finales de los sesenta, con su banda The Stooges, considerada por muchos, una de las primeras bandas punk. Su estilo y sus presentaciones en vivo, hicieron que este grupo se transformara en mito.

Su carrera solista fue mucho más allá de esta banda, logrando éxitos como Lust for Life, tema que luego sería utilizado en la banda de sonido de la película Trainspotting.

Otro hito en su carrera llegaría de la mano de su disco Brick by Brick, uno de sus mejores discos, donde se destaca el dúo que forma junto a la cantante Kate Pierson (B-52's) en el tema Candy.

También se animó en el cine en realizaciones como: Sid and Nancy, The Color of Money, The Crow: City of Angels y Coffee and Cigarettes, entre otras.

domingo, 20 de abril de 2008

Bram Stoker, el padre de Drácula

El 20 de Abril de 1912, moría en una pobre pensión de Londres, el creador de uno de los personajes más importantes de Literatura de todos los tiempos.

Bram Stoker quedará en la memoria de todos por haber escrito la novela fundamental del terror gótico: Drácula. Esta obra va mucho más allá del terror, logrando grandes climas de misterio y suspenso, en una trama atrapante. Lamentablemente, Stoker nunca llegaría a conocer la dimensión que tomaría su personaje más famoso.

El Show Debe Continuar, a 16 años del Concierto Tributo a Freddie Mercury

El 24 de Noviembre de 1991, Freddie Mercury se despedía de este mundo, luego de luchar por años contra el SIDA. Sin embargo, su obra no quedaría en el olvido, con su Fundación Mercury Phoenix Trust, sociedad benéfica, que busca recaudar fondos para ayudar a combatir este terrible mal.

Desde el punto de vista artístico, el legado de Freddie Mercury sigue vivo y se agiganta con el paso del tiempo. Como esas leyendas que no paran de crecer, como esos talentos que no dejan de sorprender. Su voz luce cada día mejor, su música es cada vez más conmovedora y su influencia en las nuevas generaciones, cobra cada vez mayor fuerza.

El 20 de Abril de 1992 se produjo un verdadero hito en la historia de la música. En la ciudad de Londres, en Inglaterra, se reunieron varias de las figuras más grandes de la música y el espectáculo, para rendirle un merecido homenaje al hombre que fue líder y símbolo de Queen. Este acontecimiento se desarrolló en el antiguo estadio de Wembley, fue presenciado por más de 72.000 personas y transmitido a un gran número de países, donde millones de personas disfrutaron de un espectáculo histórico.

Vale decir que ponerse en los zapatos de Freddie no es nada sencillo, sumados los nervios y la emoción, en algún caso pudieron afectar la performance de algunos artistas. Sin embargo el show estuvo por encima de todo y el evento es recordado aún hoy, 16 años después.

Fue de la partida Metallica, grupo que interpretó algunos de sus éxitos, como Enter Sandman. Luego James Hetfield tocaría junto a Queen el clásico Stone Cold Crazy, un tema que le calza más que bien al músico.

Extreme ensayaría un Medley, para luego entonar el emblema romántico de la banda: Love of My Life. Tampoco faltaría el éxito de la banda de Gary Cherone: More Than Words (Más que Palabras). Cherone además interpretaría junto a Queen y Tony Iommi, el tema Hammer to Fall.

Def Leppard interpretó algunos temas propios y Now I'm Here, junto al guitarrista de Queen, Brian May. Joe Elliott, se uniría a Slash y a Queen, para tocar Tie Your Mother Down.

Dentro de los nombres de mayor peso, Roger Daltrey (cantante de The Who), interpretó I Want It All y el mítico vocalista de Led Zeppelin, Robert Plant, haría los suyo con Innuendo y Crazy Little Thing Called Love.

Ese día Brian May presenta un tema que sería parte de su disco solista: Too Much Love Will Kill You. Luego saldría a la luz una conmovedora versión de esa canción, en la voz de Freddie Mercury, formando parte del Album Made in Heaven.

Continuando con la seguidilla de éxitos, Paul Young interpreta una correcta versión de Radio Ga Ga. Por su parte, Seal hace una buena performance con Who Wants to Live Forever.

Lisa Stansfield sorprende con un look a lo Mercury, con aspiradora y todo, en una muy buena versión de I Want to Break Free.

Uno de los mejores momentos del día, se produce cuando el dúo formado por David Bowie y Annie Lennox maravillan a todo un estadio, con una impecable versión de Under Pressure.

Luego, Bowie interpretaría algunos de sus éxitos como Heroes, y haría una oración en vivo.

George Michael se convertiría en el protagonista de la jornada, al lucir en una gran interpretación de '39, para luego juntarse con Lisa Stansfield y cantar These Are the Days of Our Lives.

George Michael, confeso fan de Queen, tuvo la chance de cantar una de sus canciones favoritas: Somebody to Love. La interpretación fue de un nivel artístico brillante. A esta enorme performance, se le sumó toda la carga emocional del tema y la perfecta comunión entre George Michael y el público de Queen, que no olvidará jamás tremenda ofrenda.

Elton John tomaría la voz principal en Bohemian Rhapsody, tema al cual se le suma Axl Rose, para la parte más movida. También en la voz de Elton John sonaría en The Show Must Go On. Luego Axl Rose tuvo su momento con We Will Rock You.

Elizabeth Taylor también fue del evento, no como cantante, pero sí prestó su voz para hablar del flagelo del SIDA.

En un momento del Show se produjo una transmisión vía satélite para presentar una performance en vivo de U2, que no pudo estar presente porque estaba de gira.

El cierre fue protagonizado por la mujer más admirada por Freddie: Liza Minnelli. Sí, la actriz que interpretó a la inolvidable Sally Bowles en Cabaret, tomó la voz para cantar una histórica versión de We Are The Champions. Como no podía ser de otra manera, Liza y Queen, recibieron a todos los participantes del evento para poner el broche de oro a una jornada histórica en la historia de la música.



Como nota personal, debo decir que ese día yo cumplía 15 años, y a muchos kilómetros de distancia, disfruté de un show que aún recuerdo por lo impactante y conmovedor.

sábado, 19 de abril de 2008

La evolución de Los Simpson, a 21 años de su primera aparición

Han pasado ya 21 años desde la primera aparición de la familia amarilla en la pantalla chica. Después de tanto tiempo aún mantienen su vigencia. Si comparamos a aquellos cinco deformes personajes de los cortos que salían en The Tracey Ullman Show con los perfeccionados dibujos resultado de la asistencia computarizada, encontramos infinidad de diferencias. Pero más allá del avance en la calidad técnica de la serie e incluso de los temas que fueron tocando episodio a episodio, es notorio la evolución de cada personaje.

Desde el principio, cada personaje de la serie representaba un estereotipo distinto de la sociedad occidental, en particular, de la norteamericana. Luego, empezaron a representar a más de uno. Veamos, entonces, cómo fue esa evolución personaje por personaje.

Homero Simpson
Al principio no era más que un padre gruñón que se preocupaba porque su familia fuera perfecta. Lo podemos ver en el episodio There's No Disgrace Like Home en el que Homero, envidioso, ve ascender a los cielos al automóvil de un compañero de trabajo cuya familia es perfecta y en cambio el suyo se hunde en el infierno con él y su familia dentro.Homero fue en los cortos y en la primera temporada la contraparte de Bart. Era el que el que lo retaba y lo ahorcaba, si era necesario. La autoridad de la casa. Pero, luego, con el avance de la serie, Homero se empezó a poner cada vez más imbécil. Sus cualidades de jefe de familia empezaron a ceder ante su irresponsabilidad, malos modales, glotonería, alcholismo y escasa higiene. Así, llegó a convertirse en el norteamericano promedio. En diferentes episodios, Marge no parece su esposa, si no su madre. Y Maggie, su hija bebé, pasa inadvertida para él.A lo largo de las temporadas probó innumerables trabajos, una excusa para ponerlo como protagonista principal. Se robó el protagonismo de Bart y pasó a ser el símbolo de la serie.Homero representa a gordos, alcohólicos, ignorantes, estúpidos, irresponsables, machistas, ventajeros y perezosos.

Bart Simpson
Tal vez el personaje principal que menos cambió. Desde el comienzo fue un niño rebelde. Una especie de "Daniel el travieso" moderno. Era el protagonista absoluto de la serie. Todo el merchandansing de Los Simpsons giraba en torno a él. Pero Homero lo desplazó. El personaje de Bart representa al niño problemático. Hiperactivo, maleducado y de bajo rendimiento escolar. Inteligente en comparación con Homero, pero un idiota al lado de Lisa.Bart representa a los niños que se portan mal, a los maleducados, a los de bajo rendimiento intelectual, y a los fanáticos de los videojuegos y de la violencia de la televisión.

Lisa Simpson
No era más que la hermana menor de Bart a la que él trataba descortesmente. Se vivían peleando por tonterías como por subir primero al automóvil. Pero a lo largo de las temporadas pareciera que Lisa hubiera crecido hasta llegar a la adultez intelectual. Inteligente y comprometida con sus ideales, Lisa parece ser la única Simpson capaz de salvar a la familia en ese futuro que nunca llega porque los personajes no envejecen.En las últimas temporadas y en la película, se muestra más como una adolescente que como una niña. En muchas ocasiones, es ella la encargada de decir lo que piensan los guionistas de Los Simpson, de ideas claramente liberales. Sin embargo, cuando el episodio lo requiere, vuelve a convertirse en una niña. Lisa representa a liberales, ecologistas, feministas, niñas y vegetarianos, entre otros.

Marge Simpson
Al comienzo, era una ama de casa común y corriente. Luego le fueron agregando cualidades. La obsesión por el cuidado de la casa y de los niños. Sobre todo de Maggie. Marge se convirtió en esposa fiel y en la madre de Homero, a quien regaña cada vez que hace una estupidez. Tolera absolutamente todas las locuras de su esposo y está dispuesta a limpiar sin chistar los desastres que este deja.Marge representa a las amas de casa, madres preocupadas por sus hijos, obsesivos de la limpieza, adictos al juego, esclavas de sus esposos y creyentes.

Maggie Simpson
No hay mucho para decir. Maggie no suele tener demasiado protagonismo. Sin embargo, es la más osada del clan y sus intervenciones en la serie suelen ser determinantes. Como cuando le disparó al Sr. Burns.

Ned Flanders
En un comienzo, era solamente un hombre al que le iban mejor las cosas que Homero, como se ve en el episodio Dead Putting Society en el que Bart y Todd Flanders se ven obligados a competir en un torneo de mini golf por una apuesta de sus padres. Con el tiempo, Flanders se convirtió en el ser más odiado por Homero. Hoy representa al hombre y padre perfecto, ciudadano responsable, zurdo, vecino confiable, persona cursi y fanático religioso.

Jefe Górgori (Chief Wiggum)
No era más que un policía. Luego se convirtió en el típico policía. Ineficiente y fuera de forma para atrapar ladrones y un completo imbécil para investigar. Desde ya, corrupto en todos los niveles. Su personalidad es un compendio de lo peor de las fuerzas de seguridad.

El Señor Burns
En el comienzo era simplemente el jefe de Homero. Con cada temporada, se fue haciendo cada vez más malo. Representa a los capitalistas, millonarios solitarios y excéntricos, avaros, republicanos y al igual que el Abuelo, a la tercera edad. Es inevitable ver el parecido del Sr. Burns con el personaje de Orson Welles en Citizen Kane, aunque Monty es despiadado y Charles Kane no lo era.

Alcalde Diamante (Joe Quimby)
Con pocas apariciones, es por lejos uno de los mejores estereotipos. El del político mentiroso, populista y corrupto. No trabaja, no hace nada bueno para el pueblo y siendo un hombre casado, aparece siempre vinculado con jóvenes atractivas. No se olvide, "Vote por mí".

El resto
Apu pasó de ser un simple comerciante a convertirse en el inmigrante exótico que habita Estados Unidos. Preocupado más por el dinero que por atender a sus clientes y omitiendo reglas de salubridad, ganó protagonismo a lo largo de la serie.

El Director Skinner representa a los maestros recios a los que los niños no respetan. Al hombre correcto y al soltero cuarentón. También a los veteranos de la guerra de Vietnam.

Smithers era el típico lame botas. Incondicional con su jefe. Ahora representa a la comunidad gay y a los que no quieren salir del clóset. Aunque en las últimas temporadas la sexualidad de Smithers está más que implícita.

El Abuelo Simpson (Abraham Simpson) aparecía de vez en cuando para dar consejos y tener algún problema propio de la vejez. La familia intenta ignorarlo lo más que puede. Representa a la olvidada tercera edad y a los veteranos de la Segunda Guerra Mundial.

Moe, el cantinero, representa a los hombres feos, dejados de lado, de mal carácter, violentos, solitarios y con tendencias suicidas.

No podemos detenernos en todos, los otros quedarán para una segunda entrega. Los cambios a lo largo del tiempo son más que evidentes. La serie animada continúa en el aire y aún se escriben nuevos episodios. Sólo queda preguntar ¿Cuál será el siguiente eslabón en la evolución de Los Simpsons?

¿Te ha gustado esta nota? No te pierdas la segunda parte (Hacer clic para ingresar).

Texto gentileza de Tury para el Blog de Más que palabras

Hayden Christensen, signado por el lado oscuro

La historia del cine y la televisión cuenta que algunos actores logran un éxito tan grande con un personaje, que luego no pueden repetir a lo largo de su carrera. Le pasó a Don Adams, al ponerse bajo la piel de Maxwell Smart, en el recordado programa creado por Mel Brooks y Buck Henry, El superagente 86 (Get Smart). Le ocurrió a Leonard Nimoy, que a pesar de tener una importante carrera en cine y televisión, nunca logró despegarse de su personaje de el Sr. Spock en Viaje a las Estrellas (Star Trek). También fue el destino de Adam West, quien encarnó al recordado Batman de los años sesenta.

Pero sin dudas uno de los casos más emblemáticos es el de Mark Hamill, quien en 1977 conocería el éxito con la primera versión cinematográfica de Star Wars Episode IV: A New Hope (La Guerra de las Galaxias: Una nueva esperanza). En ese film encarnaría por primera vez al personaje de su vida: Luke Skywalker.

Hamill volvería a repetir el papel que lo lanzó a la fama en El Imperio Contraataca (Star Wars Episode V: The Empire Strikes Back) y en El Regreso del Jedi (Star Wars Episodio VI: Return of the Jedi). Luego su carrera continuó entre luces y sombras, logrando mayor repercusión al presentarse en convenciones que al aparecer en pantalla grande.

Centrándonos en el personaje de esta nota, se puede decir que le ha tocada, a muy corta edad, uno de esos papeles que marcan la vida de un actor. Por lo trascendente y por la enorme carga de popularidad que lleva consigo el personaje. Con 21 años fue el joven aprendiz de Jedi Anakin Skywalker y tres años después, se probaría el traje de uno de los villanos más grandes de toda la historia del cine: Darth Vader. Papel que le dio una enorme popularidad, pero también le valió algunas críticas. Como si fuera imposible salir indemne de tan tremenda carga.

Hayden Christensen nació el 19 de Abril de 1981 en Vancouver (Canadá), hoy está cumpliendo 27 años y si bien su carrera está marcada por el traje de Darth Vader, a su favor se puede decir que aún le quedan muchos años para superar el peso del personaje.

Por lo pronto, las novedades cinematográficas de Christensen vienen de la mano de Jumper, película en la cual interpreta a un joven con poderes de teletransportación, don que utiliza para escapar de su pasado, hasta que descubre que existen otros como él, desatándose una historia de acción con fuertes dosis de Thriller. En este film también participan Samuel L. Jackson y Diane Lane. Se estrenó el 3 de Abril en Argentina.

En Despierto (Awake), Christensen debe soportar una operación de corazón, en la cual se mantiene despierto por un extraño efecto de la anestecia. En esta película Hayden Christensen hace pareja con Jessica Alba. Se estrena el 8 de Mayo en Argentina.

viernes, 18 de abril de 2008

Benny Hill, el hombre de las mil carcajadas

El locutor anunciaba el título del programa con una voz más apropiada para un documental de la National Geographic que para un programa humorístico. A partir de allí, la pantalla del televisor se aceleraba al ritmo de la cámara rápida. Venían las persecuciones, las confusiones, los golpes, las mujeres ligeras de ropas, las miradas lujuriosas y las cachetadas. Al unísono, las carcajadas en nuestras casas se hacían estruendosas. Esta es una síntesis de las incontables noches que hemos pasado mirando a este inolvidable genio del humor conocido como Benny Hill.

Se llamaba, en realidad, Alfred Hawthorn Hill y había nacido en Southampton, Inglaterra. El nombre de pila por el que lo conocemos lo adoptó luego de trabajar en el teatro Jack Benny. Inició su carrera como comediante en el año 1941 trabajando en music halls y clubes nocturnos.

En 1949 tuvo su primer papel en televisión en el programa Hi There. Siguió apareciendo de vez en cuando sin mucha trascendencia hasta que en 1955 se presentó El Show de Benny Hill.

En 1969 El Show de Benny Hill pasó de la cadena BBC a la Thames Television. Fue recién a partir de ese momento en el que el cómico tuvo el control absoluto de su show. Desde entonces, dio rienda suelta a su humor que consistía en hacer rutinas, sketchs y musicales graciosos.

El programa fue un éxito absoluto y se mantuvo 20 años seguidos en el aire. Llegó a ser vendido a lugares insospechados como China. Aquí, en Argentina, llegó doblado y con la voz original de Benny atenuada, de fondo. Hoy, a pesar de los lanzamientos en DVD, la nostalgia nos lleva a seguir viéndolo doblado al castellano.

El semblante de Benny es todo un símbolo del humor. Fue capaz de hacer reir hasta con gestos casi imperceptibles. Las persecuciones ida y vuelta en la que cada vez se agregaba más gente, los correteos a las chicas y los golpes propios del cine mudo, tendrán para siempre el sello de Benny Hill.

Entre las inolvidables imágenes que se nos vienen a la mente mientras recordamos su show, está el rostro de Jackie Wright. Ese anciano calvo al que Benny le palmeaba la cabeza cada vez que podía. Su pequeña contextura física y su aparente fragilidad contrastaba con los rudos personajes a los que muchas veces debía representar.

Otro aspecto de trascendencia del show fue su música. La melodía principal llamada Yakety Sax fue rebautizada por la audiencia para convertise para siempre en "la de Benny Hill". Cualquier grabación seria, ya sea casera o profesional, adelantada en cámara rápida y con esa música de fondo, se convierte en una parodia. Y todos saben, que quien inventó eso fue este gran cómico inglés.

Sus críticos lo tildaron de sexista más de una vez por incluir mujeres en paños menores y por el rol secundario y de adorno que les daba. Según ellos, las hermosas chicas que aparecían en el show eran meros objetos sexuales.

Benny Hill fue muy reservado en cuanto a su vida privada. Nunca se casó, a pesar de haberle pedido matrimonio a dos mujeres a lo largo de su vida. Le gustaba mucho viajar y nunca tuvo una casa propia. Cabe destacar, que uno de sus máximos admiradores fue nada menos que Charles Chaplin, quien había sido ídolo de Benny Hill en su niñez.

Este gran cómico inglés partió de este mundo un 20 de abril de 1992, a los 68 años de edad y producto de una trombosis coronaria. Había llegado a pesar más de 100kg. y su cuerpo estaba deteriorado. Los médicos le habían recomendado un bypass coronario al que él se opuso.

A pesar de no contar más con su talento, aún quedan sus grabaciones. Y también, dentro de cada uno de nosotros, está el recuerdo de esas noches en que nos reíamos incansablemente frente a la pantalla del televisor. Esas noches en que las carcajadas despertaban a los vecinos. Esas noches en que la realidad se aceleraba en cámara rápida. Esas inolvidables noches de El Show de Benny Hill.

Texto de la nota gentileza de Tury para el Blog de Más que Palabras

jueves, 17 de abril de 2008

Gotan Project, esa música que te suena de algún lado

Seguramente los hayas escuchado. Caminando por Florida, si solés deambular el centro porteño. O tal vez en un film de Hollywood. Es tango pero es moderno. El sonido no parece venir del pasado, en todo caso de un presente alternativo. Se entremezcla un bandoneón, un violín, un piano y un ¿sintetizador? ¿percusión? Sí, así es. Con la primera impresión, alguno podría decir que es "tango para turistas" ya que no refleja a nuestra música. Y que dándole ese toque resulta más atractiva y mucho más comercial. Pero escuchar por completo un disco de este grupo revela la enorme calidad artística de su trabajo.

La yunta, diría el tango, de un argentino, un francés y un suizo dio origen a Gotan Project. El lugar de nacimiento de esta banda fue nada menos que la ciudad de París. En 1998 el guitarrista argentino Eduardo Makaroff conoció a Philippe Cohen-Solal, DJ francés, quien ya venía trabajando hacía años con Christoph H. Müller. El argentino, un músico relacionado al rock pero amante del tango y los europeos, vinculados a la música electrónica, tuvieron en mente un proyecto para combinar estos estilos de música tan distintos. Se rodearon de músicos especializados y en el año 2000 publicaron su primer trabajo. La intención inicial no fue más que la realización artística en si misma por lo que salieron a la venta apenas mil copias de su primer single. Allí se incluían los temas Vuelvo al Sur y El Capitalismo Foráneo. En este último, se escuchan frases de Eva Perón en un discurso nacionalista y anti-imperialista.

Luego de componer algunos temas más y alcanzar cierta popularidad, se vieron obligados a sacar un disco y lo que empezó como un emprendimiento desinteresado, se convirtió en un proyecto muy serio.

En 2001 se publicó La Revancha del Tango que llevó a la banda a presentarse en vivo alrededor del mundo. En este disco, se incluye el tema Santa María (del Buen Ayre) que fue creciendo en popularidad hasta llegar al cine. Se lo empezó a escuchar en una publicidad muy fina del vino Navarro Correas a la vez que en los desfiles de modelos y llegó hasta la película Shall We Dance? que interpretan Richard Gere y Jennifer López. En este mismo tema, podemos escuchar una voz masculina nombrar a la ciudad de Buenos Aires y a la Argentina como estandartes del tango. Otro tema destacado es Época. La letra de esta canción recuerda los años más oscuros de la historia del país y muestra una faceta comprometida del grupo que a veces trasciende a ideológica como por ejemplo con el tema Queremos Paz en el que se oye al mismísimo Che Guevara recitar una frase pacifista al compás de la música.

El grupo experimenta no solo con el tango y la música electrónica, sino también con el jazz, el blues y hasta el folklore. Los sonidos bajos forman la base de muchas de las composiciones y le dan un toque especial. En los temas de Gotan Project se pueden apreciar instrumentos clásicos como el violín, el piano o hasta un violoncello. El histórico bandoneón, que trágicamente está en peligro de extinción en nuestro país. Alguna voz femenina que intenta acompañar pero nunca sobresalir y siempre lo logra. Y por supuesto, cualquier ayuda de la tecnología con percusiones y fondos movidos propios de la música electrónica que le dan ritmo y electricidad a las canciones.
Su siguiente disco fue Inspiración Espiración que salió en 2004. Este trabajo es distinto al anterior, es mucho más diverso y resulta tal vez demasiado experimental. Hay versiones alteradas de los temas del primer disco. En 2005 salió La Revancha del Tango Live con versiones de las presentaciones en vivo.

En 2006, apareció el álbum Lunático, con doce nuevos temas. Sobresalen Amor Porteño, que suena como un blues y Tango Canción, que como corresponde con su nombre es un triste lamento. Pero por lejos, el hit del disco es Diferente. Se inventa en este tema el riff de bandoneón. De tener la banda mayor difusión en nuestro país, podríamos vivir escuchando Diferente en las radios y como fondo en cualquier programa de televisión. En el video clip, grabado en Buenos Aires, se muestran distintos escenarios de la ciudad: calles, colectivos, taxis y puestos de diarios son algunos de los detalles que se pueden encontrar.

Gotan Project es una banda de éxito internacional cuya música recién hace un tiempo está llegando a la Argentina y es irónico porque es justamente el tango su eje principal. En su mezcla milagrosa usa pero no abusa de la música electrónica y se abre a incorporar cualquier otro estilo sin perder nunca una identidad propia. Esperaremos para el futuro una mayor difusión en nuestro país y por supuesto alguna presentación.

Texto de la nota gentileza de Tury para el Blog de Más que Palabras

miércoles, 16 de abril de 2008

Charles Chaplin, un talento más allá de las palabras

Cuando la pantalla grande era muda y blanco y negro, un hombrecito de bigote y bastón le pintó una sonrisa. Cuando el cine estaba en pañales, un genio hizo criticas sociales, de una sensibilidad difícil de imaginar para la época.

Su personaje Charlot fue tan grande, que traspasó los límites de la pantalla y se transformó en leyenda. Su imagen recorrió continentes, atravesó océanos y se grabó para siempre en el recuerdo del público.
Su simpatía dio la vuelta al mundo y Charlot fue Charlie o Carlitos, según el país que lo recibió. Pero por sobre todo, fue la risa y la ternura, más allá de las palabras.

Protagonizó joyas como: The Cure, The Immigrant, A Dog's Life y la memorables joyas llamadas The Kid y City Lights.

Con la llegada del cine sonoro, Chaplin crea una de sus películas emblema. En 1936 estrena Tiempos modernos (Modern Times), en la cual su personaje Charlot, continúa con su actuación muda y apenas entona unas estrofas de una canción al final. La cinta es una crítica a la sociedad y al progreso industrial desmedido, sintetizado en una lucha entre hombre y maquinaria.

En 1940, Chaplin cierra un ciclo, al estrenar su película El gran dictador (The Great Dictator). Esta obra es una critica al nazismo y a los regímenes totalitarios. Fue estrenada en plena Segunda Guerra Mundial. Chaplin parodia a Hitler de manera genial, mientras que Jack Oakie realiza una muy lograda caricatura de Benito Mussolini. En esta película, el personaje de Chaplin habla.

Pasarían muchos años hasta la llegada de una nueva película. En 1947, ya alejado de su personaje Charlot, Chaplin protagoniza Monsieur Verdoux.

En 1952 se estrena Candilejas (Limelight). Como no podía ser de otra manera, la cinta fue escrita, dirigida y protagonizada por Chaplin. En esta comedia dramática, Chaplin encarna a Clavero, un actor cómico en decadencia. En este filme se produce un hecho trascendental para la historia del cine. Junto a Charles Chaplin actúa Buster Keaton. Las dos glorias más grandes del cine mudo se encuentran por primera vez en una película sonora, en un genial guiño para todos los cinéfilos.

En 1971, la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood, entendió que era un buen momento para reconocer la carrera de Charles Chaplin y le entregaron un Oscar Honorífico por su trayectoria. En 1975, la corte Británica lo nombró Sir Charles Chaplin.

Charles Spencer Chaplin llegó a este mundo el 16 de abril de 1889 y se marchó en la Navidad de 1977. El mundo del cine conoció muchos talentos, antes y después de Chaplin, sin embargo ninguno se puede comparar a su genio, que mezcló el humor con una sensibilidad que maravilló al público de todo el mundo.

martes, 15 de abril de 2008

Peter Capusotto, el rock and roll del absurdo

El programa de Diego Capusotto fue lo mejor de la televisión del 2007. Llevó el humor que había mostrado en Todo por dos pesos al rock. Y combinó sus sketchs con videoclips históricos e inéditos para muchos jóvenes. Sus videos son de los más buscados en la red. He aquí un repaso por los personajes y las secciones humorísticas más brillantes del programa.

¡Está hablando del faso!: Con la colección de CDs "Canciones con metáforas acerca de la marihuana" vas a poder identificar y entender aquellas canciones que hacen apología a las drogas. Desde Chalaman de Los Abuelos de la Nada hasta Sur, cantada por Goyeneche.

Perón y el rock: es indudable la influencia de Perón en la historia universal y en la cotidanidad. Desde Tutanperón, faraón egipcio, hasta Perón Fijo, el payaso justicialista. En este segmento, Peter Capusotto nos muestra extractos de entrevistas a Perón donde se observa de forma directa la influencia de su pensamiento en las letras del rock. Así, descubrimos que fue Perón quien inspiró "La Rubia Tarada" de Sumo, "Demoliendo Hoteles" de Charly García e incluso "Satisfaction" de los Rolling Stones.

Soi Baba: es un gurú hinduista. Un maestro de la filosofía oriental que aconseja a las estrellas de rock. Lo vemos subtitulado porque él habla en hindú, aunque lo hace con tanta claridad que a veces pareciera que habla en criollo. A diferencia de otros gurúes orientales, él insiste en priorizar las cuestiones monetarias y materiales por sobre las espirituales. Cuenta que todos los músicos de los 60' lo fueron a ver. Le hablaban del Flower Power, de Paz y Amor. Soi Baba les dijo que siguieran con eso. "Yo, mientras, me puse a prestar guita al 11 por ciento de interés. Hoy tengo una financiera y soy dueño del 30 por ciento de American Express. Ahora estoy en paz porque tengo mosca...". Son imperdibles sus ejercicios para visualizar la luz.

Pinky Lavie: Viví un día a todo rock con este artista. Desde la mañana hasta la noche, Pinky te enseña cómo elevar tu nivel de vida rockera con elementos cotidianos."¿Qué vas a hacer con el juguete tóxico de tu sobrino? ¿Lo vas a tirar? ¡No se tira! Se fuma". ¡Afeitate por la mañana con una botella de sidra rota! ¡Hacete una nebulización con vino y gasoil! ¡Blanqueá tus dientes con una agujereadora eléctrica, un poco de Puloy y una virulana! ¡Decorá tu casa colgando un bife en la pared! Pinky te da consejos para aprovechar al máximo todo lo que tenés a mano en tu casa. "¿Y qué querés? Es esto o estudiar administración de empresas"

Fabián Crema: Es un cantante de estilo glam rock. Un artista que no puede contener su sensualidad en ningún instante y que le imprime una carga erótica a cada uno de sus quehaceres diarios. Desde merendar una rosca en el camarín del teatro hasta ayudar a empujar un automóvil en la calle. Cualquier estímulo pasa a ser sexual para este artista. Crema realiza videoclips controvertidos como "Crema", "Lluvia", "Nalgas" o "Rabas" donde desafía los límites que impone el CONFER que está pendiente de todas sus producciones musicales. A pesar de esto, el intendente (y a veces obispo) de esa entidad, Ernesto Sorona, advierte que no es correcto censurar contenidos artísticos.

Luis Almirante Brown: poeta y cantautor preocupado por conectarse con la gente. Fracasó en su intento de llevar poesía de alto nivel a la gente común y fue por eso que buscó una nueva forma de acercarse a ella. Ahora, fusiona en sus temas metáforas indescifrables para la persona promedio con palabras cotidianas, más cercanas al lenguaje de la gente. Y obtuvo resultados satisfactorios. Su evolución es fácil de observar. Cuando salió a la venta "Decadencias del Olimpo" se vendieron apenas 40 copias. En cambio "Hay que bañar a esa morsa" logró vender 15 millones de ejemplares. A través de este nuevo rumbo en su carrera, llegó a tocar en River donde presentó "Hola soy Gustavo, traigo este relleno para ese pavo". También se nota la diferencia en la recepción del público con "Amalgamas Hirientes" de una calidad artística incomparable pero nulo en éxito. En cambio con "Cinco y cuarto, el c... te parto" logró tres estadios llenos.
Una idea formidable presentar a este artista mostrando una entrevista donde se suprimen las preguntas del entrevistador. El bigote excéntrico, el pañuelo en el cuello, la naturalidad al expresarse y la informalidad del personaje, que con encendedor en mano fuma mientras el humo lo envuelve, le dan un ambiente vanguardista a sus apariciones.

Juan Carlos Pelotudo: Es un chico como vos. Frustrado por no poder aprender sus temas favoritos con la guitarra o algún otro instrumento. Le pone esfuerzo pero pierde la paciencia enseguida cuando los acordes no le salen. Por suerte para él, están el curso de guitarra por fax del Roña Castro y el de canto del Prof. Mostaza Merlo. Así logrará interpretar las canciones que más le gustan con el máximo fin de levantarse minitas.

Política y rock: El país está en crisis. Los argentinos estamos divididos en dos grandes facciones. Rock blando por un lado y rock duro por el otro. Esta profunda escición provoca choques violentos en las calles. Los políticos se echan las culpas y defienden sus gustos musicales. El gobierno se pone a favor del rock duro. La oposición, con López Murphy ataca a Los Redondos. Lavagna se manifiesta a favor de Motorhead. Moyano defiende a Spinetta. Se desata un escándalo por el cambio de votos por cds de música. Las clases bajas se quejan porque les dan música de Vangelis en lugar de King Crimson y Frank Zappa. Violentos enfrentamientos entre la barra brava de Miranda y los seguidores de Leo García en la Estación Constitución. Incidentes en todos los puntos del país y cada vez más lejos la posibilidad de la reconciliación nacional.

Pomelo: "¡Sos adolescente! ¡Tenés problemas! ¡Necesitás un ídolo de rock! Tony Sorete lo tiene para que vos lo consumas." Esta frase resume a Pomelo. Alguien busca un ídolo de rock para comprar. Y alguien lo tiene para vender. Pomelo es el rockerito típico de nuestros días. Sin talento, superficial, inflado, creído, bocón y soberbio. Impuesto desde arriba, sus canciones son todas iguales, pero sus fans no se dan cuenta. Es previsible dentro de su imprevisibilidad porque nunca se sabe qué estupidez hará, pero es seguro que hará alguna. Busca llamar la atención en todo momento. Se hace y se cree rebelde y transgresor. Pero en el fondo es un títere descartable de los empresarios de la música. La crítica más fuerte que se hace con Pomelo no es la del rocker mismo, sino la de los fans que escuchan a músicos como él. Fue el personaje que más trascendió de Diego Capusotto. Llegó a ser tapa de la revista Rolling Stone como Personaje del Año y ya todo el mundo conoce su "Rock and Rollnnnn".

Otros segmentos del programa

Roberto Quenedi no tiene empacho en interpretar temas de grupos legendarios con su pronunciación paupérrima y presenta su disco "Canciones cantadas en un inglés de mierda". También está Brian Bols, el hombre que nació con la lengua de los Stones en el cual Mick Jagger se inspiró para hacer el logotipo de la banda. Tampoco se puede dejar de mencionar El humor de Keith Richards en el que el guitarrista cuenta chistes de gallegos.

En otro segmento Peter Capusotto te traduce las letras en inglés de las canciones de tus artistas favoritos para que te enteres de qué hablan en realidad. Nos muestra también, que hay mensajes ocultos en algunos discos que sólo pueden escucharse reproduciendolos al revés. Es el caso de los Carpenters que resultan ser barrabravas de Laferrere y de Pink Floyd que oculta una canción de cumbia villera en Wish You Were Here. Peter también se comunica con los artistas muertos. John Lennon y Freddie Mercury han hablado con él a través de la misteriosa Ouija.

Y hay muchos más: Los Tres Fumados, parodia doblada de los Tres Chiflados. Las muertes más copadas del rock, donde Peter te cuenta cómo murieron los artistas más influyentes. Bobby McFerrum, el hombre que emula los instrumentos de una banda de rock haciendo sonidos con su boca. Y el accidentado Beto Quantró. En sí, cualquier intervalo del programa donde aparece Peter se convierte en un gag para morirse de risa.

En algunas entrevistas, Diego Capusotto declaró que antes de que el programa se vuelva repetitivo lo dejará de hacer y vaticinó que podría seguir una o dos temporadas más pero que ya después iba a ser complicado seguir realizándolo sin perder la frescura. Capusotto demostró una vez más el talento que tiene para hacer reír. Apoyado en los guiones que escribe con Pedro Saborido y de sus magistrales interpretaciones, logró escapar del abismo de público de Canal 7 otorgándole un espacio en la tele al verdadero rock que desde hacía tiempo había perdido y convirtió su programa en culto. Como ya había sucedido con Fabio Alberti y el mismo Saborido en Todo por dos pesos, Capusotto emitió una señal al mundo en clave de humor y toda una generación jóven la sintonizó.

La nueva temporada

Lo que muchos esperaban se hace realidad. A partir del lunes 5 de mayo de 2008, a las 23 hs., Canal 7 pondrá en el aire la nueva temporada de Peter Capusotto y sus videos. Una excelente noticia para todos los fanáticos del ciclo.

No te pierdas el informe de como fue el arranque de la nueva temporada, ingresando a: La nueva temporada de Peter Capusotto y sus videos arrancó con todo

Texto de la nota gentileza de Tury para el blog de Más que Palabras

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